Tommy heavenly6 “Unlimited Sky”
Otras cosas:
“Dubstep Files”. Por momentos la evocación más claustrofóbica de algunas de mis conversaciones sobre música en la adolescencia. Lo único que faltaba era que la madre de alguno los artistas abriera la puerta del dormitorio en mitad de la entrevista. Aburrido, aburrido y aburrido hasta decir basta. Después de las fiestas pensaba subir tres documentales de Thom Andersen, pero si quieren que suba esto de todos modos, avisen.
En YouTube hay como página y media de enlaces al nuevo videoclip de Demi Lovato “LaLa Land”, aunque todos proceden del mismo archivo y se ven igual de mal. Canción que destaca por su apropiación de My Chemical Romance apropiándose de Queen apropiándose del glam rock, que se interpretará desde una perspectiva “cristiana”, como el guiño, a dos ojos, en sucesión y alternativamente que es. En realidad pensaba hacer una entrada bastante larga. Citar al Chris Marker de “Le Fond de l’air est rouge” cuando decía que lo que tardó mucho en descubrir la nueva izquierda en aquellos años, fue que con ella había surgido una nueva derecha, hablar de la “southern strategy” al menos para mencionar la clarividencia de aquel borrador (en teoría se puede descargar aquí), el peso que han tenido los grupos religiosos en las últimas campañas electorales, la necesidad de crear su propia “lucha de clases” para tenerlos movilizados, el uso de la promoción en unos medios de comunicación que por necesidad de dar beneficios han eliminado a casi toda su plantilla y no tienen tiempo para contrastar las noticias, sólo de copiarlas de las agencias de noticias o de ver lo que dicen las radios, televisiones, webs y otros periódicos con el problema agravado de que las agencias de noticias han hecho lo mismo y tienen la misma necesidad de publicar las noticias en el menor tiempo posible de nuevo sin poder comprobar fuentes o la veracidad de las noticias, descansando de pleno en el material de pega y corta que suministran todas estas compañías de relaciones públicas y think tanks (de izquierda o derecha, da igual)*, la necesidad de enfocar las noticias en los medios especializados (inolvidable aquello de la persecución a un juez por el lobby gay heterófobo (ya saben, el juez que no quiere retirarle la custodia a la madre biológica de una niña por tener como pareja a otra mujer)), o como se construyen estos cambios hacia lo conservador dentro de una sociedad (en teoría esto y esto, pero no lo he leído todavía). Pero al final no cuajo, de modo que de eso que se libran. De todos modos, lo que escuchan los cristianos son cosas así o asa . Ya que estamos por el New Yorker, al final sí colgaron en su web aquel reportaje/entrevista con el creador del sello Dust-to-Digital.
Ahora sólo necesitamos que apaguen los alumbrados navideños que consumen el dinero de nuestros impuestos en estos tiempos de crisis económica y contrición ante la situación de inestabilidad emocional de los brokers.
* De verdad, lean “Flat Earth News”. El título procede de una broma al principio del libro, aquello de que todo el mundo sabía que la tierra era plana hasta que alguien comprobó la noticia.
¿El regalo? Espera un momento que me lo he dejado en el coche…
Julian Cope “Japrocksampler”
+Thom Holmes “Electronic and Experimental Music”
+Ted Gioia “The History of Jazz”
+Susan McClary “Feminine Endings”
+Simon Frith “On Record”
+Steve Reich “Writings on Music”
+James Tenney “Meta-Hodos”
+Klive Walker “Dubwise”
+Dick Hebdige “Cut’n’Mix”/ “Subculture”
+Stuart Hall (ed) “Culture, Media, Language”
+Stuart Hall (ed) “Resistance Through Rituals”
+Russell Sanjek “American Popular Music and its Business”
+Roy Shuker “Understanding Popular Music”
+Richard Taruskin “Text & Act”
+Richard Middleton “Voicing the Popular”
+Peter Kivy “Music, Language and Cognition”
+Keith Negus “Music Genres and Corporate Cultures”
+John A. Jackson “A House on Fire: The Rise and Fall of Philadelphia Soul”
+Jeremy Gilbert/ Ewan Pearson “Discographies”
+James Jeans “Science & Music”
+otro par de libros sobre electrónica
+The New Grove Dictionary of Music and Musicians
+Historia del Rock (El País)
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Aunque tenía los libros recopilatorios, estaba sopesando la idea de suscribirme a Wax Poetics. La causa de esto, el desconocer cuanta cantidad de información se pierde en el tránsito desde la revista al recopilatorio. Si se ven los (grandes) nombres en las portadas antiguas para después encontrar que estos no pasan el corte, la sensación de que la selección de artículos puede ser algo aleatoria se instala con comodidad en la cabeza. De modo que compramos el último número, el de la (doble) doble portada con Sly Stone y Jimmy Cliff.
112 páginas (sin contar portada y contraportada), con lomo, olor agradable, papel agradable al tacto, peligro de dejar las páginas llenas de huellas digitales si la tinta no se ha secado (y no se ha secado). 41 páginas dedicadas a publicidad, 3 al sumario, colaboradores y el editorial, 17 fotografías que ocupan toda la cara. Pasando a los artículos en sí: 5 páginas dedicadas a la sección de “descubrimientos” (es decir discos antiguos), 3 dedicadas a los obituarios, 3 para artistas “actuales” y la última página dedicada en esta ocasión a Randy’s Records. En los artículos mencionados anteriormente, cada artista, finado o disco recibe una página.
Los artículos “fuertes” o con “contenido” son los siguientes: Cey Adams, Large Professor, Jamaa Fanaka (que no aparece en el sumario), Egyptian Lover & Arabian Prince, Sly Stone, Jimmy Cliff, Ahmad Jahmal y un artículo, dominado por la fotografía, de Jeff Chang sobre los B-Boys surcoreanos.
Cey Adams es el diseñador gráfico que ha realizado gran parte del arte de los lanzamientos del sello Def Jam. Se trata de una entrevista, acompañada por algunas muestras de su catálogo (Public Enemy, la portada de “Ready to Die” de Notorius BIG, el primer disco de Mary J. Blige), que cumple la función promocional de hablar de su libro “DEFinition: The Art and Design of Hip-Hop”. El libro es una recopilación de su trabajo no limitado exclusivamente a los discos y está acompañado por una serie de artículos (escritos por periodistas musicales) que tratan de elaborar una visión general de cómo ha sido la evolución y la influencia que ha tenido el diseño (gráfico) a la hora de conformar la cultura hip-hop. No parece una inversión demasiado mala.
El artículo de Large Professor consta de tres páginas, una de ellas, entrevista y las restantes dedicadas a una selección de algunos de sus temas y discos favoritos (de Fearless Four a MC Shan pasando por Teddy Pendergrass, Jay Dilla o Ultramagnetic MC’s). Muy interesante para según que cosas, una bobada para otras.
Jamaa Fanaka, es un cineasta admirado por sus contribuciones al género blaxploitation, al cual en este caso le dedican una amplia entrevista, útil sobre todo si uno conoce de antemano los títulos que se citan, ya que se centran en aspectos como el rodaje de determinadas escenas, la recepción del público, el mensaje que transmitían determinados personajes, etc. más que en tratar de ofrecer una panorámica o una presentación de su obra. Este tipo de enfoque, en el que además de dar por sentado que el lector tiene una amplia cultura en el mundo de la música popular también se cree que este ha ejercido el crate digging o al menos que conoce muchos discos de donde proceden los breaks para múltiples discos de hip-hop, suele ser la norma general de la revista. Algunas de las entrevistas en realidad son conversaciones entre amigos que se conocen desde hace décadas y donde se da por supuesto que se conocen detalles mínimos de la carrera discográfica, el nombre de ejecutivos y a que compañía pertenecían, en que periodo estuvieron en aquel sello, etc. El artículo puede ser curioso.
Lo siguiente es una conversación/entrevista (al mismo tiempo) con Egyptian Lover y Arabian Prince. Supongo que se pueden poner las mismas pegas que en el artículo anterior, aunque igualmente interesante.
El artículo de Sly Stone es un extracto del libro de Jeff Kaliss “I Want to Take You Higher – The Life and Times of Sly & the Family Stone”, centrado en el periodo “There’s a Riot Goin’ On”. El amplio fragmento trata de atacar algunas ideas preconcebidas sobre dicho disco, léase a) es un disco generacional sobre la perdida de las ilusiones colectivas y b) es un disco que retrata a un hombre (el compositor del mismo) destruido por las drogas. El argumento contra la primera propuesta no es tanto contra esa lectura, que es posible, sino contra la idea de que es un disco que hay que mirar de forma distinta o que no tiene apenas relación alguna con su obra anterior, siendo este el reverso pesimista de aquella. La segunda está más centrada en tratar de exponer que las muy visibles tensiones y problemas internos del grupo, no surgieron como por arte de magia durante el proceso de grabación del disco, sino que ya estaban larvadas o funcionando plenamente cuando el grupo hacía música más optimista. Así que el escritor toma el camino de no detenerse demasiado en la música (por lo menos en estas páginas, descripciones concisas que se consumen en apenas unos párrafos) o el dibujo histórico social para tomar la laboriosa y dolorosa ruta de reconstruir los sucesos contrastando informaciones, declaraciones a revistas, mitos y nuevas entrevistas con los sujetos para mostrar la mecánica de funcionamiento en aquellos tiempos, evitando las descripciones truculentas o la prosa encendida por la fantasía. Tampoco saca uno una idea muy clara de cuales eran los problemas antes (supongo que para eso está el resto del libro) o poco más que una perspectiva informada de aquello que ya sabíamos (encerrado en una casa, grabando continuamente, excesos de todo tipo, etc.).
El artículo de Jimmy Cliff, escrito por David Katz, es, esta vez sí, una panorámica de su carrera, profusa en detalles de todo tipo. Y por último tenemos una larga entrevista a Ahmad Jamal.
De modo que tenemos unos siete-ocho artículos importantes. En el segundo volumen recopilatorio de artículos y entrevistas de la revista, se desglosa los artículos por cada número que abarca dicho tomo (cinco). El número de selecciones varía entre 5 y 8, de modo que podemos suponer cuales acabarían en un hipotético recopilatorio de esta época. Por tanto, para sopesar la posibilidad de la suscripción debería pensar en dos aspectos: la urgencia por leer este material y el valor que añaden el resto de contenidos de la revista. La respuesta al primero es que no siento urgencia, al menos en tan alto grado. Puedo sentir interés por leer YA ciertos artículos, pero no estoy dentro de este mundillo, así que los tengo más como material de referencia o punto de partida para compras que cualquier otra cosa. En el segundo caso soy más ambivalente. Los artistas “actuales” poco o nada me dicen (algo en lo que coinciden algunos o muchos lectores de la revista), pero la sensación de comunidad, así como de muestra del momento histórico actual, que crean el resto de artículos y la publicidad (tiendas, material de producción, lanzamientos discográficos, accesorios, etc.) se pierde en los libros (que precisamente se centran en tratar de lograr cierta atemporalidad, hablar de o con “clásicos”, huir de la maquetación que ya ha quedado obsoleta). Es decir que todo se reduce (ante la posibilidad de que se sigan publicando los recopilatorios) a si me gusta comprar la revista por ser tan “bonita” o no.
Están disponibles las listas de lo mejor del año según la tienda Boomkat. Además de sus atípicas listas de los 100 singles y discos, se pueden consultar los top10 de una serie de invitados más o menos ilustres: Zomby, T++, Peverelist, Mordant Music, Echospace, etc.
Otra ración de links, algunos no necesariamente actuales pero supongo, igualmente interesantes:
Una entrevista con Starkey.
Las distintas reacciones que se pueden obtener sobre las acciones de la SGAE según ¿el color político? de varios periódicos españoles. El País dedica tres artículos ( 1, 2, 3), donde no se moja, pero da la voz protagonista a dicha sociedad. En La Razón la opinión es radicalmente contraria. Pero claro, La Razón no tiene que cubrir los intereses de un grupo mediático con su propio sello discográfico. Por curiosidad, sospecho que quién borró mis entradas son estos alegres muchachos.
Un par de entrevistas en The Quietus: la primera a Paul Morley con motivo de la caja recopilatoria que se acaba de publicar sobre el catálogo del sello ZTT. Como decía Simon Reynolds en The Wire, una verdadera lástima que la caja no venga con una recopilación de los manifiestos y todo el material promocional que escribió para los distintos artistas del sello.
(Una declaración para tomar el tono y la arrogancia de la época: “As Frankie Goes to Hollywood became tabloid stuff, the toilet papers were talking to me, the Mail, the News of the World, the Express, delighting me with their rotten misquotes, and some journals even began quoting McLuhan and Aclaren in connection with my involvement –a further delight, if only because it is obvious that Roland Barthes, Saatchi and Saatchi and Jonathan King are more relevant”).
La segunda, con Flying Lotus . También un video robado del New Yorker.
Una serie de artículos (1,2,3)sobre la TR-808 con motivo del título del nuevo disco de Kanye West, muy informativos, aunque en el fondo no dicen nada de interés ni nada que resulte tan instructivo (o satisfactorio) como ver este video (“synth porn” lo llaman) de 6 minutos.
“Brrrap!” es un fanzine holandés sobre dubstep de tiradas muy limitadas (cien copias para el mundo) y muy pequeñito en número de páginas (7 a 16). Pueden descargar desde su página web los cuatro primeros números.
Ya hablamos de otro fanzine “Big Up”, que a mediados de enero publica su segundo número. Por tanto ahora mismo no hay nada nuevo que ver, pero este blog tampoco avanzará tanto como para perder esta entrada de vista.
Shook tiene disponible para descarga un sampler en formato PDF de su nuevo número. No sabemos si estará disponible próximamente o han decidido usar esta estrategia para vender la tirada física (se vende por unas 5 libras).
Kode 9 ha colgado un mensaje navideño en su MySpace . También se supone que comenta lo mejor del año en el último número de Plan B, como también lo hace The Bug.
Todo el mundo sabe que “el minimal es una mierda”. Y como todo el mundo sabe que “el minimal es una mierda”, que es un sonido sin vida, encasillado, desganado, sin tripas ni corazón, ni profundidad alguna, sin el carisma de los antiguos géneros electrónicos (aunque claro cuando “el minimal es una mierda” retoma aquellas estructuras es una copia barata de aquellas obras pioneras, con lo cual “el minimal” sigue siendo “una mierda”, ya que no provoca el avance y el descubrimiento que no se encuentran ya en ningún sitio en la música electrónica de baile), podemos llegar a la conclusión de que “el minimal es una mierda”. Uno sólo tiene que asomarse a la prensa musical no especializada que no se acerca al género o a cientos de blogs de origen norteamericano que prefieren a los artistas de su zona en lugar de un montón de europeos que se pasan toda la semana drogados y bailando una música sin alma, para saber, conocer y estar completamente de acuerdo con la afirmación de que “el minimal es una mierda”. De hecho si piensan en algún tema de minimal de este año, no recordarán ninguno, quizá por no haberse parado a escuchar ninguno, o por no haberse comentado en ninguna de sus lecturas de cabecera que dicen que “el minimal es una mierda”, o puede ser sencillamente que “el minimal es una mierda”. Pero bueno, si tienen dudas, siempre pueden consultar la lista de los mejores 20 discos de electrónica del año según Resident Advisor (ya añadiré los mejores temas cuando la publiquen).
Tengo que admitir una fantasía recurrente: cada vez que un grupo o un artista usa el carrillón para tocar uno de esos riffs sobadísimos que suenan como campanitas navideñas que evocan melancolía, ternura y sensibilidad, sea indie o no, se llame Marit Larsen o no, siempre me imagino abalanzándome sobre el ejecutante en cuestión, cerrando la caja con violencia y tronchando cuantas más falanges mejor. Pero no es algo personal. Sobre el grupo, en realidad encontré muy expresivo que situaran el lugar de actuación en una tienda de decoración para gente que quiere aparentar ser diferente y tener una sensibilidad “propia”.
Continuando con mi vano intento de formarme una cultura sobre las propuestas del arte contemporáneo, visité la página web de la revista (de referencia) Parkett. Se pueden descargar artículos sobre los artistas seleccionados y ver algunas de sus obras, así que puede interesarles aunque sólo sea por el artículo sobre Christian Marclay.
¿Una patadita al ojo?
Cosas que Mano Erina puede estar haciendo ahora mismo…
Promocionar su nuevo single “Lalala Sososo”.
Mandar un mensaje navideño a sus fans .
Protagonizar un dorama .
Posar en una sesión fotográfica .
Mirando como el paisaje de edificios gira sobre si mismo y parece alejarse a través de la ventana del tren.
Sentada en un restaurante con el resto del equipo de promoción, pensando que necesita ir al baño.
Cruzando un pasillo.
Jugar con la Nintendo DS
Dormir, ya que en Japón deben estar de madrugada.
Imaginando que alguien en podría estar pensando en ella, tratar de imaginar su cara, su vida, su hogar, mientras observa las puertas cerradas del ascensor.
Nada de lo anterior.
Libros que me gustaría leer estas vacaciones
(Seguramente cuatro o cinco más, pero seamos realistas…)
Una de las consecuencias inesperadas (aunque no insospechada) de haber publicado la lista de mis discos del año tan pronto, ha sido tanto mi falta de pasión por las elecciones de los demás así como la sensación de haber errado ante el consenso más o menos extendido. Los únicos discos que he escuchado después de haber leído estas han sido los de Maryanne Amacher y el de Neil Landstrumm. El primero me gustó realmente, aunque es un tanto difícil hacerse a la idea de cómo debe ser la experiencia natural de la pieza, con múltiples altavoces emitiendo sonidos a un volumen atronador hasta que el oyente pierde la sensación de dirección y cree que sus oídos son los que producen la música no sus receptores. El disco de Landstrumm, sí, es una virguería de producción pero no me dice absolutamente nada en el sentido en el que lo hace una música “urbana”. En cualquier caso, pasando la página de este año, me he decidido a escuchar una serie de músicas que parecen tan aburridas como lo está uno ahora mismo.
A la música reciente (dos o tres últimas décadas) de Radu Malfatti se le ha colgado el adjetivo de “ultraminimal”, se ha dicho que su exploración del silencio (y de la presencia de este hasta convertir las composiciones en algo que no se sabe si considerar música) van más allá de los principios teóricos de John Cage o que su música se asemeja a la de Helmut Lanchenmann (algo que el compositor considera inapropiado ya que la música del alemán le parece muy conservadora). Malfatti dejó de publicar música en forma de disco el año 97, aunque siguió colaborando como improvisador o con otros músicos/compositores durante la década siguiente. Más o menos hasta finales de 2005, principios de 2006, donde creó su propio sello b-boim records, donde publica sus composiciones en CD-Rs de edición limitada, dando a conocer la música en la que ha estado trabajando durante todo este tiempo.
Debe llevar más de 15 publicados y uno apenas ha escuchado tres de ellos. A pesar de todo lo dicho anteriormente y de que efectivamente, la música es tan espartana, tan seca y tan carente de sentimiento alguno, cerebral y apática, la escucha resulta más rica, más colorida de lo que se podría esperar de esa pose de compositor vanguardista. Aparecen nuevas distancias, las interacciones entre los instrumentos parecen tan sutiles como complejas y aunque uno ya le tiene cogido el tranquillo a eso de escuchar discos donde los músicos se tiran 20 o 30 minutos sin realizar sonido alguno, no resulta demasiado cargante. De todos modos, si quieren leer más al respecto y con mayor detenimiento en las piezas publicadas hasta ese momento, pueden leer este artículo.
El otro disco que estoy escuchando en estos momentos es “77 Boadrum” de los Boredoms. En realidad encuentro un tanto problemático la escucha de este documento del concierto. Hay preparada un película que con multitud de material, filmado por el equipo profesional o por los asistentes al concierto, que suponemos será lo más parecido a la “experiencia” sonora que se produjo en aquel momento, con los 77 baterías creando un manta rítmico mientras el grupo crea ambientes eléctricos épicos, se vuelve casi hippie o se disuelve en el trance percusivo. En Japón, lo que se ha publicado por ahora (ya que la película está todavía en cines o de gira por festivales) es un doble CD con un DVD con cerca de cuarenta minutos de imágenes. Así que en realidad escuchando el disco uno pierde toda la contundencia física del sonido en directo, la visión y la disposición de los músicos o la multiplicidad de las fuentes sonoras entre las que moverse. La pieza se divide en dos partes (una en cada CD como es obvio): “Seven” y “Sun Loard”. La primera pieza es más intensa, ahondando en las tretas del grupo para convertir los sonidos en algo sin principio o final, con los sintetizadores pulsando los mismos acordes, subiendo y bajando de intensidad al pasar por el flanger y el eco, mientras decenas de baterías mantienen un pulso enérgico y monótono, y otros crean un caos sonoro donde la voz de Yamatsuka Eye resuena desde el megáfono manteniéndose durante minutos hasta llegar a la siguiente fase. Es algo que resulta apreciable desde el momento, cuando el sonido de los platillos, tan conocido en su brevedad desaparece ante la multitud y se mantiene continuo durante minutos. Supongo que tendré que subir más el volumen para divertirme más. La segunda pieza es más “viajera”, menos mítica y enérgica, cercana a cierto tipo de psicodelia krautrockera, con los cantos masculinos de “Sun Lord”, etc. respondidos/repetidos por un coro de voces “femeninas”, hasta culminar en oleadas de sonidos que parecen chocar en su horizontalidad con la luz vertical creada por el eco de la voz de Yamatsuka o en bucles psicodélicos, llenos de capas de sonidos y de instrumentaciones que provocan la misma sensación de hermosa desorientación. Nada que no estuviera presente de un modo u otro en sus últimos discos en estudio o en su reciente directo, pero obviamente, espectacular por el despliegue humano. En la primera escucha, esta pieza me resultó más interesante, pero al cambiar el orden de reproducción, perdía bastante de su vigor o su mística sin la energía descargada en los primeros 50 minutos. De todos modos ya veremos como crece con las escuchas (atentas).
También he escuchado en Bleep el adelanto del EP de Hudson Mohawke(los temas se pueden escuchar completos, pero deben darle al play cada treinta segundos), que suena vivificante y por ahora resulta excitante. Excitante de otro modo, supongo que debe ser también el final de la espera de la publicación del debut como rapera de Angel Lola Luv.
Este es un video más o menos improvisado que grabaron durante una fiesta con el single de adelanto. Y seguramente nada de excitante puede resultar el retorno de Grandmaster Flash por lo visto y oído en el trailer de su nuevo disco.
Saint Etienne publican single (doble cara A) el próximo nueve de febrero. Los temas se llaman “This is Tomorrow” y “Method of Modern Love”. La segunda creemos poder deducir por la entrada en su blog de MySpace, está producida por Richard X y se pueden escuchar 30 míseros segundos aquí. El resto de información se puede leer a continuación:
“Hola friends
So, here are the details on our forthcoming (Feb 9) double A-side, This Is Tomorrow c/w Method Of Modern Love. No, MOML is not a Hall & Oates cover - though that does give us the idea of doing something intreeging with Kiss On My List...
It will appear in three limited edition formats - 2 cds and a 7" - as well as a download package. On the 7 are the radio mixes, both mixed by the xtra super Richard X.
CD1 features MOML radio mix and the film version of This Is Tomorrow, previously only available as a free 45 with The Illustrated Ape mag last year.
CD2 includes the Cola Boy mix of MOML - yes, he's resurfaced after 18 years in the lucrative world of soft drinks. Also, there's the Richard X Join Our Clique mix of MOML.
The download package includes a Moroder-esque mix of MOML by the splendid Heartbreak, and an a capella for you to fool around with.
Because of the ever stranger UK chart regulations (and because we do want a Top 40 hit, I'm sure you understand), it will only be initially available in the UK. But don't worry, because an equally beautiful and limited export edition will follow a couple of weeks later.
Details on how to pre-order, and a sneak preview of the artwork will follow soon.
Yes, it's the ideal, modern, valentines day gift. Don't ever say we have bad timing.
Oh, and of course a mere week after this on Feb 16th (German pressing plants willing) we'll release our all-encompassing St Et historical package, London Conversations.
love Bob xx”
Pongo fotos, añado sellos, etc. el lunes, pero tengo el último número en formato físico de FACT, así que pongo todas las listas individuales:
Simon Reynolds
01 Vampire Weekend Vampire Weekend
02 Blackout Crew Put a Donk On It
03 Giggs Walk In Da Park
04 Portishead Third
05 The Backyardigans Almost Everything is Boinga
06 Crystal Castles Courthip Dating
07 Gang Gang Dance Dust
08 Moon Wiring Club Shoes Off and Chairs Away
09 Beck Gamma Ray
10 Skull Disco Soundboy's Gravestone...
Kode 9
01 Samiyam Return
02 Geeneus Yellowtail
03 Flying Lotus Comet Course
04 Roska Pyramids
05 Darkstar Need You
06 Hard House Banton Siren
07 Zomby Natalia's Song
08 Ikonika Sahara Michael
09 Apple Siegalizer
10 The Bug Poison Dart
DJ/Rupture
01 V/A Gaza Lords Vol 1&2
02 Paavorharju Laula Laakson Kukista
03 Maga Bo Archipielagoes
04 V/A Urban Rai 2008
05 Balla Et Ses Balladins The Syliphone Years
06 Squincy Jones Nintendub
07 Toumani Diabate The Mande Variations
08 V/A Give Me Love: Songs of the Brokenhearted, Baghdad 25-29
09 Wiley Grime Wave
10 Uproot Andy Guacharaca Migration
Ponytail
01 Earth Bees Made Honey in the Lion's Skull
02 Animal Collective Water Curses
03 Growing All The Way
04 Abe Vigoda Skeleton
05 John Zorn The Dreamers
06 Thank You Terrible Two
07 High Places High Places
08 Ecstatic Sunshine Way
09 Rhys Chatham Guitar Trio is my Life!
10 Gang Gang Dance Saint Dymphna
Marcus Nasty
01 Crazy Cousinz Do You Mind
02 Donaeo African Warrior
03 Lil Silva Seasons
04 Hard House Banton Siren
05 Princess Frontline
06 D-Malice Gabryelle
07 Perempay In The Air
08 Donaeo Devil in a Blue Dress
09 Lil Silva Funky Flex
10 Geeneus feat. Katy B As I
Allez Allez
01 Nick Cave & The Bad Seeds Dig, Lazarus Dig!!!
02 David Byrne & Brian Eno Strange Overtones
03 Matias Aguayo Minimal
04 Gas Nah Und Fern
05 Haruki Matsui P.O.P
06 Mercury Rev Senses On Fire
07 High Places Head Spins
08 Atlas Sound Let the Blind Lead Those..
09 John Maus Love Is Real
10 Thomas Feiner & Anywhen Dinah & The Beautiful Blue
DFA (J Miller & J Galkin)
01 Kanye West 808's and Heartbreak
02 Megapuss Surfing
03 V/A Classic Cuts
04 Cut Copy In Ghost Colours
05 Lia Ices Necima
06 Theo Parrish Sound Sculptures Vol 1
07 Chairlift Does You Inspire You
08 Free Blood The Singles
09 V/A Cosmic Disco? Cosmic Rock!
10 V/A Elaste Volume 2
Philp Sherburne
01 Rustie Zig-Zag
02 Louise Guilliaume Soulpoint
03 Move D Drone
04 Ricardo Villalobos Vasco
05 Tobias I Can't Fight the Feeling
06 DJ Koze I Want to Sleep
07 Invisible Conga People Cable Dazed
08 Paul Frick Steal my Heart
09 Zomby The Lie
10 Mike Dunn This Here Is House Music/ Na Na Na Na
No Age
01 Abe Vigoda Skeleton
02 Lovvers Think
03 Infinite Body White Hymn
04 Soft Circle Full Bloom
05 King Khan & The Shrines The Supreme Genius Of...
06 Fucked Up Chemistry of Common Life
07 Deerhunter Microcastle
08 Mika Miko Sex Jazz/Bastard in Love
09 Times New Viking Stay Awake
10 High Places High Places
Woebot
01 Vampire Weekend Vampire Weekend
02 Flying Lotus Los Angeles
03 Juana Molina Un Dia
04 Mujava Township Funk
05 Quiet Village Silent Movie
06 Advisory Circle Other Channels
07 V/A An England Story
08 Wiley Wearing My Rolex
09 Fleet Foxes Fleet Foxes
10 Portishead Third
The Heatwave
01 Mavado So Special
02 Paleface feat. Kyla Do You Mind? Crazy Cousins Remix
03 Erup Click Mi Finger
04 Lil Wayne A Milli
05 Elephant Man & Liutenant Stitchie What A Mighty God
06 Warrior Queen & The Heatwave Things Change
07 Charly Black Buddy Buddy
08 Giggs Talkin' Da Hardest
09 Queen Ifrica Daddy
10 Mr Benn feat. Black Twang & Blackout JA Long Time
Sinden
01 Mujava "Township Funk"
02 Zomby Strange Fruit
03 Benga & Coki Night
04 M83 Kim & Jessie
05 Fake Blood Mars
06 Santogold Creator
07 Ryan Leslie feat. Cassie Addiction
08 Bun B You're Everything
09 Busy Signal Cool Baby
10 MGMT Time to Pretend
Algunos singles de R&B que no he comentado por estar enfadado con el mundo. Um, este no, aquel tampoco. Estos dos me valen.
En su nuevo single Keri Hilson habla del deseo femenino, de aquello que hace un hombre para que un momento pueda despertarlo o desterrarlo al momento siguiente. Esta exposición, más o menos obvia supongo según la experiencia del oyente, se hace sobre una base sintética, más o menos mecánica en su desarrollo, monótona, obsesiva, vacía, sugerente, latente, insoportable, estúpida o todo lo contrario y que por lo menos en este momento, como trasfondo de la vida corriente, se asemeja bastante a la presencia y funcionamiento del deseo sexual.
Mya publica su nuevo disco únicamente en Japón. El single, compuesto por Ne-Yo, se pliega más o menos al tipo de canciones que uno podría encontrar en aquel mercado, en este estilo: un tiempo medio, que recuerda a muchas cosas, que no es sorprendente o intrusivo, que puede ser emocionante, optimista, ensoñador pero no trascendente o servir como un fondo sin destacar, etc. Y sí, soy un degenerado.
(Y ya que he dicho todo esto, ahora puedo pensar cómo comprar los EPs que ha publicado Woebot sin tener que sufrir el Paypal)
Escuchando las canciones, muy majas y bien construidas, tampoco gran cosa fuera de esa sensación, uno puede comenzar a acumular influencias de manera más o menos disparatada (The Clientele, Vampire Weekend, The Left Banke, Sagittarius, Ride, etc.) . Me interesa un poco este proceso. En psicoanálisis hay dos conceptos que podríamos asimilar, a martillazos, a este: la transferencia (cuando el psicoanalista comienza a influir, guiar y colorear con su acción lo que el analizado cuenta) y la proyección (o el atribuir las causas internas a objetos o personas). Quizá me interesa más verlo como una inversión del “cold reading”. Si allí, el lector trata de “adivinar” al sujeto mediante la observación de detalles e influyendo para que este vaya soltando información sobre la que construir sus imágenes, en este caso podríamos suponer otra cosa: ver más cosas de las que hay realmente en la música, atribuyendo nuestro conocimiento a un concepto más o menos plano, más o menos sugerente.
Una oportunidad para acumular cosas sin ton ni son, ya sabemos que la semana pasada murió George Brecht y ayer cumplió cien años Elliott Carter pero hablemos de otras cosas de manera breve antes de que la preview del videoclip de Alyson Stoner con los perritos espaciales y una versión de una canción inolvidable para los que vivimos la Tercera Vía (que cool eramos entonces) acabe con mi escasa concentración.
The Guardian publica ahora el obituario de Byron Lee , aunque eso sí, tiene el lujo de estar escrito por David Katz. Si quieren algo más actual, pueden leer esta entrevista a Timberlee o ver este video-performance de Linton Kwesi Johnson mientras aparece el nuevo videoclip de Mavado.
Una entrevista a Pinch .
Como se debe hablar de la economía, los cierres de Neuton (uno de los tres distribuidores de electrónica en Alemania), Intergroove España o Pinnacle en el Reino Unido debería servir de llamada de atención para la comunidad “independiente”. Este artículo en The Independent, de manera obvia se encarga del último caso y es un tanto paternalista en su defensa de lo independiente. En realidad no he pasado de la parte donde se habla de poner un poco de “edge” en las tiendas llenas de pop “prefabricado”, ya que me resulta un tanto contradictorio hablar de “edge” y comprar discos en tiendas físicas…
En la nueva película de Dave Naz (si leen el blog ya saben quién es y que películas dirige) la música es de ¡The Dirtbombs! (o al menos temas escogidos de su catálogo) calzados para ambientar la estética, declarada de manera abierta, más o menos tomada de aquí y películas similares.
Llego tarde así que esta historia oral de Static Major o este artículo sobre Flying Lotus ya no interesan a nadie.
Wax Poetics está recomendando esta reedición de Chandra, que supongo puede interesar a la gente que escucha post-punk. Esta es una entrevista al creador del sello Cantor Records y esta es la hoja de prensa por si pican:
Transportation EP Early Eighties Pre-Teen Post-Punk from Chandra Reissued by Cantor Records, distributed by Wax Poetics In a way, Chandra Oppenheim was the anti-starlet. Everyone from Andy Warhol to Mary Tyler Moore recognized the immense potential in this precocious pre-teen singer-songwriter. However, Chandra was neither unassuming nor pocket-sized—the way young prodigies are most often received. Moreover, her captivating childhood musings were set to a soundtrack of discofied post-punk: a dissident, distorted, and off-the-radar genre being shaped at the height of her fame by artists at least a decade her senior. In 1980, when the Transportation EP was released, Chandra was twelve years old. The daughter of a visual artist, Chandra's unrefined talent was exposed at her father's parties where she eventually met the Model Citizens. What followed was a legitimate lo-fi fairy tale; the grown ups provided a post-punk sea of abstract, angular dance music and Chandra's words and voice set sail. This rare gem of a rerelease captures a magical moment in music; Chandra does more than pantomime a form of expression assumed to belong to people older than her. Her authoritative voice and earnest lyrics take control for the opposite of a preadolescent confession, but an insistent siren call to people of all ages, tempting them to challenge the notion of growing up. This package includes four previously unreleased tracks recorded by the Chandra Dimension, her all-teen band, as well as an informative booklet that includes biographical information, rare photographs, and early flyers.
Dediqué el último fin de semana a tratar de escribir tres entradas más o menos largas para el blog. En total unas diez páginas. Después me conecté a internet y decidí que no valía la pena. Uno de ellos giraba en torno a Anaïs, sobre como el uso de la intertextualidad con los estilos musicales y sus estereotipos sociales añadidos, la escritura femenina en la concepción de los arreglos o el uso del directo como contexto para crear una legitimidad artística en sus construcciones funciona más como distinción para un público mayoritariamente “culto” y de clase media que sabe apreciar el juego de referentes así como su sentido del humor, mientras que en sus videoclips todo eso parece perderse en direcciones enfrentadas, demasiado seria, demasiado ligera, demasiado intrascendente, etc. Pero seguramente todo eso se puede resumir viendo su directo una vez.
Tricia Rose, autora de un libro muy citado sobre hip-hop (Black Noise) publica un nuevo libro sobre el asunto, esta vez centrado en la visión racial en Norteamérica a partir de la imagen en videoclips, portadas, etc. Lo de los libros y textos académicos muy citados o de referencia es gracioso. En el blog de Joan Vich, una vez leí de pasada algo sobre un libro de musicología español acerca de la mujer en el rock, o algo parecido. El texto de partida, en contra obviamente, era el de Simon Frith y Angela McRobbie, ya saben, “Rock and Sexuality”, aquel donde los chicos eran rebeldes mientras las chicas representaban la domesticidad. Un texto del ¡78! que tuvo la virtud o la desgracia de ser uno de los primeros en dedicarse a hablar del asunto. Y da igual que desde entonces, Frith ampliara y cambiara su punto de vista en varios de sus libros o lo hiciera directamente en 1985 en un artículo denominado “Afterthoughts” o que terminara reuniendo ambos artículos en ese soberbio recopilatorio sobre las tendencias en el análisis de la música popular que es “On Record”. Esos no se citan o no son tan interesantes.
En apariencia soy demasiado torpe para entrar en la web de Tzadik, pero en su página de MySpace, anuncian la tercera parte de “Arcana” su libro de escritos sobre música por músicos (improvisadores) además de hacer un poco de autobombo con el libro sobre el jefe. La gente que se cree avant-garde, los franceses y Quim Casas estarán encantados.
El catálogo de primavera del 2009 de Duke University Press estaba disponible desde hace más de un mes. Como después mencionaremos algunos libros más de próxima publicación, aprovechamos para recordar las novedades destacadas en la sección de música (por ejemplo, hay un libro sobre exótica) y ahorrarles la descarga de 135 MB.
Life is something special
Los indies siguen necesitando convertir en un acto ideológico el manipular sus genitales.
Lady Sovereign ofrece la descarga gratuita de su nuevo tema en su página de MySpace. El disco se publica, en teoría, a comienzos de abril.
Mentiras
Antes de continuar, citemos una noticia breve que se publicó en The Guardian, donde un grupo indie explicaba como era el método de trabajo de Xenomania:
"We hung out with Brian [Higgins] and the other guys, sat around talking about the music, but what we realised was that Xenomania kind of works like a band in its own right," Kapranos recently explained to Exclaim Magazine.
"They have guys who write and perform the music and what they have with Xenomania is kind of like what we have as Franz Ferdinand: a group of people that develop musical ideas ... It would almost be like taking [one] band and asking [them] to produce another band."
Algo que siempre me ha llamado la atención de Xenomania es que su “personalidad” resulta poco reconocible. Sí, hay unos determinados instrumentos musicales, unos ciertos rasgos melódicos, algunos detalles de producción, pero no hay nada demasiado llamativo o definitorio en un primer contacto. No hay un uso o abuso de una serie de sonidos o estilo de producción que sirvan como rasgo reconocible, o una fórmula más o menos conocida reconocible al instante. De hecho, la personalidad aparece junto con los juegos con las expectativas, las citas y referencias a la historia del pop o ciertas obsesiones a la hora de desarrollar los temas. Algo también muy reconocible, es que esa división del trabajo, ese desarrollar ideas en pequeñas células que después articulan la canción, es que los materiales no son la unión de partes “sencillas”. Suele ser habitual el tomar material de otros temas, unos coros, un arreglo, unos sonidos electrónicos, para crear esa “viñeta”. Así que volviendo con C-ute, el elemento que amalgama todo el tema es esa combinación de bases rítmicas que empujan con brío el tema hacia delante, además de unas sucesiones rápidas de acordes (esos chan-chan-chan) que sirven de transición o como punto culminante. Es decir que no se trata simplemente de disponer los elementos seguidos para crear una narración, sino que dentro de las viñetas aparecen esas ideas musicales como pequeños eventos que otorgan la cohesión y la sensación de solidez a la canción. De modo, que ignorando el hecho de los arreglos y melodías más o menos reconocibles según la exposición, ¿en qué consistiría la personalidad o la artesanía del compositor? No se trata de su capacidad de innovación o de su dominio de las convenciones de un estilo musical (pongamos, p. ej. el blues), que demuestren respectivamente, carisma o conocimiento de causa, ya que esta está supeditada a la imagen de conjunto. Tampoco descansa en la maestría con la que se domina cada estilo o situación dentro de la canción, como tampoco resulta de la complejidad de la temática tratada. Podemos citar este pasaje de Fredric Jameson acerca del Nuevo Historicismo en su libro sobre el postmodernismo:
The solution, however, will evidently not lie in the regression to the styles of the older, pretextual disciplines; in other words, in going back to separate, specialized discussions of all those heterogeneous material or “texts”. The discursive progress marked by the “strutcturalist moment,” or by the “thory” of structure that authorized the practice of homology, was the enlargement of the object and the possibility of establishing a whole range of new relationships between materials of diverse kinds. This not to be abandoned now, whatever one’s position on the “theoretical” component turns out to be. The ambiguity of the Michaels-Knapp manifesto, in other words, lay in the possibility of reading it as a call to return to a pre-theoretical procedure; whereas it also, in the practice of New Historicism, proves to open up a whole post-theoretical set of operations that retain the discursive conquest of a range of heterogeneous materials while quietly abandoning the theoretical component that once justified that enlargement, omitting the transcendental interpretations that had once seemed to be the very aim and purpose of homologies in the first place.
We will therefore describe the New Historicism as a return to immanence and to a prolongation of the procedures of “homology” which eschews homology’s theory and abandons the concept of “structure.” This is also an aesthetic (or a writing convention, or mode of Darstellung) for which a formal rule emerges governing something like a ban or taboo on theoretical discussion and on the taking of interpretive distance from the material, the drawing up of a provisional balnce sheet, the summary of the “points” that have been made. Elegance here consists in constructing bridge passages between the various concrete analyses, transitions or modulations inventive enough to preclude the posing of theoretical or interpretive questions. Immanence, the suppression of distance, must be maintained during these crucial transitional moments in such a way as to keep the mind involved in detail and immediacy. Whence, in the most successful of such artefacts, that sense of breathlessness, of admiration for the brilliance of the performance, but yet bewilderment, at the conclusion of the essay, from which one seems to emerge with empty hands –without ideas and interpretations to carry away with us.
(Ya, por homología donde dije “viñeta” digo “texto”). A decir verdad, creo que estoy obsesionado con usar este pasaje, ya que también pensaba usarlo para tratar de exponer las razones por las que el disco de Gang Gang Dance no me dice casi nada. Que el disco es un collage de distintos sonidos (DFA, shoegazer, grime, etc.) lo dicen hasta sus defensores. Pero donde ellos dicen ver innovación pura, o cualquier otro elogio, en mi opinión, desmedido, que le han regalado al disco, uno encuentra cierto aburrimiento y vacío. Sí, la sucesión de estilos provoca desorientación, vértigo y en cierto momento, éxtasis. Pero no creo reconocer nada que capture mi atención una vez que el efecto sorpresa retroceda (en mi caso, en la primera escucha). Esa exposición que debiera resultar tan deslumbrante para que los considerará unos magos con los estilos actuales, se ve demasiado mermado por esa razón de ser indie que podríamos resumir en un ser “conciso”, “directo”, “emocionante”, pequeño en general, en lugar de perderse en desarrollos extensos que no llevan a ninguna parte. Y después encuentro, que los distintos “textos” usados, tampoco resultan tan soberbios en su ejecución, pero parecen más deslumbrantes dentro del conjunto. Para tratar de explicarlo, descarguen este video sobre una exposición de Cy Twombly. Se puede observar, como cada grupo de trabajos conlleva la exploración de un tipo de técnica distinta, aunque todas ellas sean manifestaciones de la misma obsesión por la pincelada, por la acumulación y distribución de la pintura sobre el lienzo, la espontaneidad del gesto. El ejemplo obvio para nuestra explicación son los cuadros que están inspirados en el trabajo de Turner.
Lo que se explora es este nuevo universo implícito en Turner, las grandes manchas de color que observadas en la distancia toman el aspecto de un paisaje, aunque en este caso el paisaje, más que figurativo es una simple cita, un elemento residual. En “Saint Dymphna”, por ejemplo, nos encontramos con ese momento que alguien ha definido como “la mejor canción de My Bloody Valentine que dicho grupo nunca ha escrito”. Es decir una réplica, un sucedáneo más o menos conseguido, mejor o peor ejecutado, pero que no muestra una personalidad sonora propia. No hay exploración, no hay espacios abiertos en los que deambular. Queda en su lugar la intencionalidad de simbolizar la búsqueda de dichos espacios. Tampoco creo que la función del montaje pueda funcionar como una “constelación” de elementos a lo Walter Benjamin. Simplemente la confrontación de unos elementos con otros no descubre la intención original o la posibilidad de cambio, sino el reconocimiento de unos elementos que en mayor o menor medida se conocen y aprecian en la vida de uno como oyente.
Por continuar con las comparaciones “pictóricas” y para comprobar si me patinan las neuronas o no, o si son ciertas nuestras suposiciones o todo lo contrario, a continuación incorporamos algunas de las obras plásticas** que exponen en galerías dos de los miembros del trío:
Brian DeGraw
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Lizzi Bougatsos
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**Una de las cosa que realmente me ha incordiado este año que ya acaba ha sido la sensación de indefensión que he sentido al encontrarme con ciertos grupos musicales que tomaban ideas estéticas de otras disciplinas artísticas contemporáneas y sobre las cuales, uno tenía poca o ninguna idea. ¿Para qué quiere uno ideas “arty” cuando se tienen emociones? Además eso es algo que uno no encuentra en la crítica musical pop. Es más o menos sencillo que se deslicen referencias cinematográficas o literarias. Incluso en el caso de ser un artista consolidado, con un discurso muy claro y marcado, acercarnos y soltar algún nombre de pintor (recuerdo una crítica de Brian Eno donde se hablaba de cubismo, el punk con el dada y el surrealismo, etc.). Es decir, referencias, más o menos asimiladas y que forman ya parte del museo, o de los libros de historia. Y en cualquier caso, como signo de distinción social. Es algo que me ronda la cabeza desde hace unas semanas. ¿Tan difícil resulta imaginar algún tipo de música que recuerde, por ejemplo, a…
Richard Serra?
Hiroshi Sugimoto?
Wolfgang Tillmans?
Y si esto es así, ¿debería hablar o al menos investigar la obra del último premio Turner?
U-oh.
Copio y pego el e-mail que han recibido y publicado la gente de Arthur magazine:
PITCHFORK AND FADER MEDIA ANNOUNCE STRATEGIC PARTNERSHIP
Leading Voices In Emerging Music And Culture Join Forces To Offer Enhanced Opportunities For Advertisers and Readers
New York, NY: The FADER and Pitchfork, the two leading voices in emerging music and culture, have announced a partnership designed to extend the reach and enhance both brands.
The deal will include integrated advertising and sponsorship opportunities across all properties and platforms, including print, online, festivals, events, and unique content exchanges.
“We are extremely excited to be working with Pitchfork,” said Andy Cohn, Group Publisher and Vice President of FADER Media. “We know that the ability to leverage both properties will offer great value to our readers and advertisers alike.”
“We love the FADER and are continually impressed with their ability to navigate the ever-changing media landscape in a way that always stays true to their unique vision,” said Pitchfork’s Publisher/COO Chris Kaskie. “We believe this partnership will compliment both brands and enhance what we can offer our advertising partners, and most importantly, our readers.”
About Pitchfork
Created in 1996 by Ryan Schreiber and based in Chicago, Pitchfork Media has become the most-trusted independent resource for music journalism and is widely acknowledged as a leading cultural tastemaker. With a focus on new and emerging music through the publication of daily reviews, news, features, audio/visual programming, and interviews, Pitchfork has developed one of the music world’s most devoted and loyal followings.
About The FADER
Founded by Rob Stone and Jon Cohen, The FADER is the definitive voice of emerging music and the lifestyle that surrounds it. Through in-depth reporting and a distinct street sensibility, The FADER aggressively covers the most dynamic breadth of music and style emanating from the fringes of the mainstream to the heart of the underground. The FADER was the first publication in history to be released on iTunes, in 2008 received a Folio award for the best full issue of a consumer entertainment magazine and in 2007 was named one of iTunes’ best classic audio podcasts of the year. The FADER is the authority on what’s next.
Y esta actualización.
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