The Heatwave, como ya sabe todo el mundo, tienen su propio show en Rinse FM.
Alain Badiou con un estúpido. (También enlace en Google Video).
Remezcla tu canción favorita y ponle un donk. (Entre otras que se me ocurrieron en el autobús: Arnold Schoenberg, Siouxsie & the Banshees, Television, Family, etc.)
The Guardian reportando la furia que se ha levantado en Francia por el tema “Sale Pute” del rapero Orelsan.
Un blog dedicado a grabaciones de música folk a 78rpm (sugerido por Arthur Magazine, otra revista en el limbo).
Uno de los temas que Sasha Frere Jones ha seleccionado para su lista de lo mejor del año (siempre en continua modificación) en su blog (no en el otro) es “Chainsaw Calligraphy” de 16 Bit, incluida en su EP “In The Death Car”, que cumple uno de los sueños húmedos de cierto sector del dubstep: la melodía la produce una motosierra. En otras cosas ‘nuum, robamos de este blog, la selección (todavía en desarrollo) de documentales sobre drum&bass colgados en YouTube (1, 2.1,2.2 , 2.3,3.1 ,3.2, 3.3, 4.1, 4.2, 4.3, 4.4,5.1,5.2).
Después de años de escuchar el nombre en foros alemanes dedicados a otras cosas, alguien me recomienda el nuevo single (ni sabía que era cantante, de hecho ni conocía su aspecto) de Jeannette Biedermann. Y no esta mal para nada en este estilo.
Y siguiendo en este terreno de electro-pop comercial, también me han recomendado el disco “The Laptop Diaries” de Sophia Somajo (publicado el año pasado).
Supongo que la música de este grupo (dúo) se podría interpretar como una versión “indie” del R&B mainstream: complejidad emocional, beats y ambientaciones sofisticadas, visión “personal”, etc. es decir, el kit básico de todo aquello que se cree alternativo. Y como casi siempre la reacción es “Sí pero no”. ¿No resulta el futurismo y la rareza de los beats demasiado ideológica, una visión demasiado delineada de estos conceptos que no respira tanto como debería? La sensualidad, la plasticidad y la intimidad que la música destila, creo encuentran su movilidad y su capacidad de seducción demasiado limitadas por dicho anclaje.
Trato de ver si me interesan Kalafina, algo así como un grupo idol con tendencias góticas, pero tiene que ser todo tan difícil y acabo pensando que tienen más parecido con esos grupos japoneses de rock tan sentido, glam, épicos o sí, góticos que no suelo escuchar porque me llevaría una vida entera desbrozar la senda.
Mientras tanto las chicas de Perfume se encaminan hacia el segundo número uno de singles de su carrera (el primer día doblaron en ventas al segundo, ellas con más de 35.000 copias). Y algunos de los directos televisivosque he visto hasta ahora son bastante singulares y consiguen sorprender (1,2). Aunque la canción no me termine de gustar (hay muchas cosas, muchas que me gustan, pero no como se combinan) y el edit en directo menos.
Y Mano Erina anuncia su nuevo single para finales de mayo. En fin, una manera como cualquier otra de terminar una semana horrorosa.
Hablando de New Order, viendo el programa respectivo de “Songbook” esta canción se supone sirve de orientación de cómo suena el nuevo grupo de Bernard Sumner.
Otra cosa a la que le he estado dando muchas vueltas es la postura “crítica” y “política” defendida en este artículo sobre el regreso de Spandau Ballet (y según el autor del sonido del Thatcherismo). No creo que simplemente sea porque me gustan algunas producciones de Stock, Aitken y Waterman, pero creo que la idea de reducir al enemigo a lo más inane resulta cuando menos un método dudoso. Ya se, pueden representar los valores dominantes, la ideología y la temperatura de dicha sociedad, pero creo que realmente todo puede cumplir esa función. Esto viendo los DVDs recopilatorios de Tommy Heavenly6 y Tommy February6, y cada vez tengo más claro que son una gran exposición del desgajamiento del gusto estético entre la infancia y la adolescencia. Así Tomoko Kawase (que nació en el 75) tiene en la versión inocente referencias a SAW, los nuevos románticos, el italo disco “hortera”, etc. mientras que su versión “gótica”, para cortar con esa bobería, para asustar a ese pánfilo que se era durante la infancia, se dirige hacia la oscuridad y los sonidos de guitarra más propios del rock alternativo de principios de los noventa (The Brilliant Green se formaron como grupo en el 95). Lo interesante es la forma en que se recuerda el pasado en ambos proyectos. Por ejemplo este es el primer single de Tommy February6 y una unión casi perfecta entre Kylie Minogue y “Bizarre Love Triangle”.
Según la “lógica” de “izquierdas” representada por el artículo, ambos términos no se podrían relacionar, unos son vacíos, los otros llenos de contenido y bla, bla, bla. Es decir, apoltronarse diciendo que nosotros no nos hemos movido de donde estábamos. Y sin embargo el mundo ha cambiado y lo que hacíamos ya no sirve para nada.
Leí este libro, que es un tanto aburrido en determinadas partes y que explica bastante de ese proceso que “no se quiere ver” que ha llevado a su situación actual a la izquierda política.
Quizá debería leer este otro antes (lo tengo pero es un tocho de cuidado, aquí la intro en español), que explica como las ideas revolucionarias surgidas a partir del 68 fueron asimiladas por los cursos de marketing y empresas, la transición hacia la “flexibilidad laboral” y la “libertad personal” desde una industria fordista a una post-fordista que desmonta por el camino el poder de los sindicatos llevándolos desde su posición de representantes del movimiento obrero a esos tipos que no trabajan y cobran de las empresas (a saber cuantas veces he escuchado eso en determinados medios de comunicación), valores que después se materializarán en la revolución informática de los noventa (decía Bruno Latour, y se puede estar en desacuerdo (yo lo estoy) que la diferencia entre el comunismo y el modernismo era que uno explotó a su gente y sus recurso hasta su agotamiento mientras el otro los exportó a otros países para que no se vieran, pero en lo básico, el proyecto de la modernidad es eso, encontrar siempre nuevas posibilidades, nuevos problemas, nuevas soluciones e ideas, nuevos mercados que explotar) y como decían no hace tanto Kodwo Eshun y Kode9, la teoría de la larga cola es simplemente un producto de eso, infinitas posibilidades sin necesidad de espacios físicos, como la burbuja económica que nos ha explotado en la cara.
Esta remezcla de Skream a La Roux es el tema musical que más me ha hecho reflexionar en mucho tiempo. Como la narrativa elegida imita a la de un tema de drum&bass, como se intercalan citas (el uso del amen break), la elección de una paleta de sonidos tirando hacia el lo-fi como decisión estética de “autor”, el hecho de que este video en concreto tenga más de 240.000 visitas en YouTube, la carencia del “efecto sorpresa” en la escucha de uno pero que encuentra citado en los comentarios, aquello que decía Chuck Eddy sobre como las nuevas generaciones quieren lo mismo pero no lo anterior y como lo consiguen de una manera siempre “diluida” y “peor”, el pensar si esto es así en realidad o es una estructura crítica que nos ayuda a lidiar y llevar a nuestro terreno una serie de sensaciones más o menos desagradables o inestables: me estoy haciendo viejo, la música no me sorprende, hay una falla que me impide responder a un tema como este como lo hace esta gente, ¿sigo queriendo resolver los traumas de mi adolescencia?, mi decadencia física se corresponde con la de la cultura occidental, etc. etc.
Entre las noticias ridículas de esta semana hemos tenido a Elvis Crespo pillado masturbándose en un avión, la primera novela (con el trasfondo “REAL” de la política española) de Luis Herrero o Europa quitándonos los fondos si no hacemos algo con nuestra corrupción urbanística, pero creo que mi favorita ha sido comprobar como sí, parece que existe una tendencia que, de modo igualmente ridículo, hemos denominado “Eye Candy Indie Cañí”, al menos en las noticias de Yahoo. Tendencia que tiene como antecedente a Red Russian, pero podemos retrotraer a cualquier proyecto con Helena Miquel e incluso Marlango, en el que las buenas críticas se corresponden directamente con el aspecto de las cantantes (y/o compositoras) y no con su talento (su abundancia o ausencia). Aunque claro, dentro del mundo indie esas cosas nunca se mencionan (al principio).
En USA pasa por ejemplo con Neko Case y otras chicas que igualmente aparecen en las listas de Stereogum. En fin, las noticias llenas de “talento”, “sensibilidad”, “futuro”, “canciones”, “influencias”, “músicos”,etc. se referían a Zahara y a Anni B Sweet. En fin, chorradas que hace un degenerado como el presente.
Charlie Brooker tiene una nueva serie “Newswipe” que sin dejar de hablar de televisión se concentra exclusivamente en los informativos (y en los ridículos que son en múltiples niveles). El mismo usuario tiene el resto del episodio colgado en YouTube.
Esta es una entrada que hemos pensado muchas veces en hacer y que vamos a malgastar en estos mismos momentos. A continuación tres documentales de Thom Andersen (también teórico de cine, busquen en Wikipedia los enlaces a algunos de sus textos, en el número actual de Cinemascope tiene uno aunque en la versión escrita), que se mueven entre tres temas: las formas (pre)cinematográficas, la historia y la geografía (Los Angeles, Hollywood, California).
“One of the best essay films ever made on a cinematic subject, Thom Andersen’s remarkable and sadly neglected hour-long documentary (1974) adroitly combines biography, history, film theory, and philosophical reflection. Muybridge’s photographic studies of animal locomotion in the 1870s were a major forerunner of movies; even more interesting are his subsequent studies of diverse people, photographed against neutral backgrounds. Andersen’s perspectives on Muybridge are multifaceted and often surprising (characteristically, the film’s opening quotation is from Mao), and he presents Muybridge’s photographic sequences in various ways to spell out the many meanings of this fascinating precinematic work”.
Según Jonathan Rosenbaum (suyo es el texto de arriba) una de las mejores películas norteamericanas de todos los tiempos. Seguramente si buscan en los archivos de Rosenbaum encontrarán las extensas e interesantes críticas a estos tres documentales(1,2). Arriba tienen un fragmento colgado en Youtube.
Un documental que trata de mostrar las obras de los directores “comunistas” que se vieron afectados por las listas negras de Hollywood y las cruzadas de McCarthy. Realmente no lo he visto aunque al leer al respecto en Cahiers me hizo buscar más cosas de este hombre.
La tesis de esta película es la imagen que Hollywood proyecta de la ciudad “real” Los Angeles, donde nació Andersen. Algo que se materializa en aquello que se filma de la ciudad, aquellas partes de esta que desaparecen durante las reformas urbanísticas, el uso de la arquitectura y las construcciones emblemáticas a lo largo de las décadas, como la ciudad tiene que convertirse en “otras” por pillar más cerca, etc. etc. Bastante fascinante y exhaustivo (dura sobre tres horas). Arriba otro fragmento colgado en Youtube.
Andersen, en la entrevista que concedió a Cahiers de Cinema España para el suplemento “La Utopía Yanqui”, comentaba:
“A veces las películas decisivas me parecen que provienen de Trop tot, trop tard (Straub y Huillet, 1982) y de la primera realización de estos cineastas sobre una novela de Pavese, Dalla nube alla resistenza (1979)”.
Sobre la película pueden leer esta reseña de Serge Daney (si quieren ver el resto de textos de Daney almacenados y la página web original les resulta un tanto “primitiva” junten sergedaney con .blogspot.com y allí encontrarán los links directos y todas las novedades). Las calidades de todas estas descargas suelen ser bastante discutibles (las películas de Andersen no se pueden publicar sin tener que pagar un montón de derechos a los propietarios de las imágenes originales, pero si pueden usarse para funciones educativas, así que todas proceden de cintas de VHS (de hecho las imágenes de las propias películas proceden de estas), pero esta de Straub y Huillet, bueno, ya verán…)
No estoy muy interesado en la película, pero me quedé intrigado cuando Reuters publicó una noticia al respecto sobre este baile (que fue borrada casi al instante). Gran trabajo de PR y supongo demasiado obvio como infotainment para colar. El single de la película es “The Climb” que resume demasiado bien toda la trama de la película: Miley encuentra sus raíces. Y tiene un sonido más “roots”, country mainstream pero country. Tampoco es que no me pueda creer la canción por ser una mentira (esta es todavía más hipócrita y falsa y me encanta, y el country está lleno de ejemplos de este tipo de mentiras), simplemente me incomoda y me parece impúdica (así que supongo me terminará encantando). Y además, para estrellas televisivas adolescentes haciendo country, preferimos a la chica de Icarly (que tiene un single pasmoso).
Entre otras cosas un problema de tuberías en el piso y bastantes horas de sueño perdidas harán que el blog durante esta semana siga tan escaso de palabras. Por ejemplo, hoy me he despertado a las tres y media de la madrugada así que aproveché para escuchar el final del programa de radio de la emisora Indie 103.1 FM que habían cedido a Sasha Grey. Metal, Revenge (el grupo de Peter Hook), otro nombre que no capturé y cierre con los PIL de “Metal Box”. A esas alturas del programa, mucha gente en el estudio y apenas algunos comentarios para la gente que escuchaba para utilizar su cuenta de twitter para responder las preguntas y ganar una camiseta que ha diseñado. El programa termina, comienza el siguiente con un instrumental más o menos post-rock. El presentador habla sobre alguno de los temas que piensa pinchar y comenta lo cargado que está el ambiente en el estudio y añade algo así como: “Ha estado aquí Sasha Grey. Ya sabéis que es estrella del porno. Enséñanos las tetas. No, es broma”. Para mi eso resumía tantas cosas.
*En el blog de MySpace, la señorita Grey ha colgado la lista de los temas que puso:
Un breve comentario sobre las listas de los singles más vendidos esta semana en Japón: Namie Amuro logra el primer puesto con más de 75.000 copias vendidas y No Sleeves (o no3b) consiguen el noveno. En el quinto se encuentra el single de Mano Erina (que casi debuta en el dos y lo más bajo que llegó a estar fue el siete) vendiendo algo más de 20.000 unidades.
Arriba su primera actuación en un programa musical “importante”. Siguientes pasos en la campaña, esto:
Y su propio programa de radio que se llamara “Mano-Deli”.
(El nuevo disco de Morning Musume debutó fuera del top 10 (13), mientras los discos de R&B “norteamericano” de Utada y BoA (que tengo que escuchar con más detenimiento) se quedan dentro).
En la web de The Independent, se puede leer un artículo sobre Rinse FM. La razón, una excusa para volver a hablar de una película de próximo estreno en el Reino Unido basada en las leyendas de las radios piratas que se recibían en el Reino Unido, en particular de Radio Caroline (si uno busca en Amazon encontrará al menos cinco libros que tratan su historia de manera total o parcial). De hecho, The Independent ya publicó su artículo dedicado a la mítica emisora y esto es una simple transposición (“esto es la radio pirata ahora”). Aunque sea algo tan gratuito y chabacano como eso, no deja de resultar algo novedoso en la forma de tratar el tema. Siempre podemos relacionarlo con el sempiterno “fin de los buenos tiempos”/ “fin de la época dorada”/ “fin de la historia”, pero siempre que se trata este tema se hace desde dos flancos que no parecen entenderse: el de las emisoras “clásicas” y el de las emisoras “contemporáneas”. Si la televisión británica crea una serie de cinco documentales para televisión (puedo buscarlos y eso), estos se centrarán, como un artículo del Ruta66, en la “búsqueda de libertad”, “la confrontación contra las normas”, etc. periodo que acabará antes de llegar a los 80. A partir de ese momento, las radios urbanas son consideradas como ralea, chusma, criminalidad. Y al revés, las radios contemporáneas no encuentran sus raíces en aquellas, ya que funcionan en otros parámetros y otras escenas culturales, o son tratadas como algo efímero pero excitante. De todos modos, en la manera de presentar a los entrevistados (Geeneus y Soulja), uno puede encontrar ciertos estereotipos desafortunados: él, hombre creador de la emisora, ella, viene de una compañía discográfica y se ocupa del papeleo, lo cual es un tanto injusto ya que esta mujer consiguió un trabajo en una compañía discográfica por su talento para captar los movimientos del underground trabajando en tiendas de discos y organizando raves y detectar su posible potencial comercial.
El documental “Dub Echoes” ya tiene fecha de publicación por Soul Jazz: el once de mayo. El nuevo single de Morning Musume, unos días después. Por ser concretos, en mi cumpleaños.
Para mi sorpresa, se me han pasado todos los prejuicios y el disco (razonablemente bueno, de acabados impecables) está comenzando a crecer con las escuchas.
Ya se, ya se. Lo que tocaría ahora sería hablar, desde el fondo de mi corazón (o al menos en ese tono), como si nos hubiéramos criados juntos y nos viéramos diariamente de esta gente (1,2,3). Y yo todavía enlazando entrevistas con Martyn (hay una en vídeo pero tengo que comprarme el número de Slices o descargar 1’81 Gb de vídeo en un sitio donde no me interesa).
Me entero en el blog de la Duke University Press de que piensan publicar este libro sobre hiphop porque su autora es mencionada en este artículo del New York Times sobre las reacciones generadas entre los adolescentes por el torbellino mediático protagonizado por Chris Brown y Rihanna. Curiosa manera de hacer las cosas.
Resulta difícil concretar porque este disco resulta tan decepcionante. Para hacerlo debería escucharlo, pero no encuentro motivo alguno para hacerlo. Al escucharlo puedo decir lo desganado que resulta todo, hablar sobre una distancia entre bases y flor, hablar de material de relleno o rimas recicladas, pero hacen sonar al disco como un horror cuando no lo es. Decir que es del montón (un gran argumento elitista). Tal vez sea el estado de ánimo. Un poco como este blog.
Durante un momento pensé en levantarme y gritar a los cuatro vientos que este era el mejor disco que había escuchado durante lo que llevamos de año.
Curioso fenómeno cultural el de “Gossip Girl”. No sólo tiene una de las temporadas más largas de las series de televisión norteamericanas, va perdiendo seguidores a mansalva (comenzó la temporada alrededor de los 3’5 millones de espectadores y ahora está sobre los 1’1 millones), sus protagonistas son más conocidos por aparecer en la prensa rosa que por su trabajo, la cadena televisiva decide renovar la serie sin pegas algunas (de hecho va a lanzar un spin off) en plena recesión económica y recortes de gasto o Rolling Stone les dedica la portada, la sesión fotográfica la hace Terry Richardson y la portada es lo más “rock” que recuerda uno en dicha revista en muchos años. Por cierto, si Cuatro se decide a emitirla algún día, comprobarán lo pésimo del doblaje (imaginen las voces de una serie adolescente española cuando se hacen los “arriesgados” diciendo que se van a fumar unos porros, ahora extiéndanlo a lo largo de todo el capítulo). A mi en particular, el traducir “Gossip Girl” por “Reina Cotilla” (aunque no traducen el título de la serie en consonancia y nadie sabe que son el mismo personaje), consiguió que decidiera no verla (en unos 30 segundos, un record). Aunque admito que la serie para mi tocó techo a comienzos de la segunda temporada (escena de cierre con música de Santigold) y dejé de verla pocos episodios después, cuando comprobé que me había perdido la broma sobre Sarkozy.
Durante esta semana, The Guardian, está publicando una lista de “las mil canciones que todo el mundo debería escuchar”, como supongo todo el mundo ya sabe. No puedo hacer juicios sobre la calidad de las selecciones (supongo que como aquella lista de los mejores discos donde se juntaban lo anecdótico y lo sublime sin solución de continuidad, salvo que con canciones resulta un poco más sencillo), ya que esperaré a que finalice para leerla (supongo cuando añadan los nombres de la gente que ha escrito las reseñas), pero desde luego es una feliz idea la manera en la que la han planteado (se pueden marcar las canciones que uno ya conoce o ha escuchado e incluyen, cuando es posible, enlace de escucha en Spotify ). Además de un código HTML como el siguiente para colgar en su blog, web o red social.
Como todo el mundo sabe, el sello Rough Trade tiene una vida dividida en dos partes debido al periodo de tiempo en el cual el sello quebró. Ambas partes quedan reflejadas claramente en este documental. La primera parte con entrevistados como Vivien Goldman, Robert Wyatt o Mayo Thompson y con una cantidad de imágenes de archivo que justificarían por sí solas el visionado del documental (actuaciones en directo de The Raincoats o Scritti Politti empaquetando “Skank Bloc Bologna”, p. ej.), mientras la segunda, mucho más breve (los últimos veinte minutos o así) comienza con el management de Pulp para acumular una serie de nombres que deberían servir para alcanzar una sensación de plenitud y vigor y al menos para este blogger se convierten en un anticlímax deprimente.
Creo que me gusta el nuevo single de Cassie (“Must Be Love”). Más R&B (de hace unos cuantos años) que pop, de invitada más que de estrella. No creo que haga nada en las listas pero es lo único que estoy escuchando durante esta tarde.
“Can You Play That One Song”según su propia definición es “a collection of the world’s worst song requests” (y supongo, un sitio de visita obligada para todos los DJs del mundo).
Un adelanto del libro (si alguien está interesado). Supongo que se deben leer en secuencia con otros tomos (que acabo de descubrir) dedicados a la materia.
La rara ocasión de leer un artículo sobre Morning Musume desde “fuera”, sin tópicos, con información de primera mano y con una exposición detallada del momento actual del grupo, las intenciones del equipo de management y las reflexiones de las componentes del grupo con motivo de la inminente publicación de su nuevo disco.
(Típica canción que se me hace larga cuando la escucho y después no me la puedo quitar de la cabeza durante el resto del día)
Pueden tratar de entretenerse, al menos si están tan aburridos con la actualidad musical como uno (aparte de lo de ayer, lo único que estoy escuchando*, tampoco ardientemente son los discos de Micachu & The Shapes y Mika Vainio con Lucio Capece), haciendo música online:
Rockstar Games ha colgado una ¿demo? ¿preview? de su juego Beaterator (en teoría famoso por la colaboración de Timbaland, y claro, para escuchar sus sonidos tendrán que comprarlo cuando salga). En la práctica un reproductor y sincronizador de loops, construidos o construibles, con bancos de sonidos o la posibilidad de importar los tuyos propios. El funcionamiento es bastante sencillo e intuitivo, una vez que se sabe lo que hace claro (no se salten la intro que es la explicación). La pantalla principal es un mezclador. Tienes 60 unidades de tiempo para desarrollar tus ideas, los BPMs van desde los 30 hasta los 200 (no gabber), a la izquierda tienen un menú desplegable con los bancos de sonidos, a la derecha otro con los loops. Pueden escuchar estos previamente y colocarlos en el mezclador (si este está parado, por eso digo que es un reproductor). Los sonidos pueden arrojarlos en el menú desplegable inferior, con unas pistas para programar ritmos sencillos o con la ayuda de un tecladito desplegable, hacer cosas más complicadas (si pulsan “hints” verán las teclas de su teclado que se corresponden con las de la pantalla) y finalmente, tienen una pequeña consolita de efectos donde hacer y probar sus “rarezas” (tampoco demasiado extremas) antes de usarlas en el mix que están construyendo. Obviamente muy limitado, suponemos que habrá muchos más sonidos en el juego, pero precisamente divertido (es un juego, no un sustituto de un software profesional, aunque si tiene éxito puedo imaginar a la gente construyendo música con sus propios sonidos usando esto en los tiempos muertos) por lo que dice Brian Eno sobre limitar las infinitas posibilidades que ofrecen los estudios modernos.
Y si esto les parece demasiado complicado, siempre pueden usar esto que es más DIY y salir reseñados en Discobelle esta misma tarde.
*También escuché con atención el disco de K’naan, sin grandes trabas ni ahogos por sus sampleos de música etíope, su mensaje más o menos concienciado o sus colaboraciones pop, y tiene canciones y singles notables, pero como construcción, como narrativa, el disco es un horror y se hace soporífero.
También pedir disculpas si no he contestado últimamente a ninguno de los mensajes que han dejado, estoy en uno de esos periodos “distraídos”.
Apenas si estoy escuchando música estos días. Este es el resumen en el terreno del J-Pop:
Perfume – One Room Disco
Namie Amuro – “Wild”
AKB48 quedó al final en el tercer puesto de la lista de ventas (más de 66.000 copias, Arashi vendieron más de medio millón de unidades). Estas son dos units del grupo, una con su segundo single y la otra (la “fusión” con Idoling), con el adelanto de su videoclip, al parecer tan…erm como la canción:
No Sleeves – Tane
AKB Idoling!! – Chuu Shiyouze!!
Y los enlaces a los dos nuevos temas que ha publicado Maki Goto. El primero poniéndose en el papel, creando una identidad artística, desarrollando un ejercicio de “branding”, etc. (trabaja en un programa de radio orientado a chicas independientes, modernas, consumista y a la moda y los singles son adaptaciones (al menos en las letras) de una novela y un manga dirigido a dicho público, su sección se llama “Sweet Black Girls”, tiene una serie en YouTube (“Unrecorded”) con un detrás de las escenas de todo el proceso y tampoco sabría explicarlo mejor, el no poder distinguir entre aquellas repeticiones que generan significado en la música pop y aquellas que sirven para hacer distinguible un producto, atrapar a una serie de consumidores o crear una multitud de seguidores dispersos, que es algo sobre lo que he estado pensando algo estos días. El otro tema, actuación en directo durante una presentación en una fiesta exclusiva del sello, es una canción orientada hacia la pista de baile, bastante más disfrutable en la versión grabada con su euforia disco y sus edits vibrantes, pero uno no se puede resistir cuando el volumen está tan alto como para hacer que vibren las piezas de la cámara con los graves. El tema está en un maxi junto a un megamix de distintos artistas del sello y una canción, también con un arreglo enorme (esos arpegiados electrónicos) de BoA.
Durante la semana pasada, surgieron una apreciable cantidad de artículos en prensa y revistas especializadas cantando los logros de esta adaptación cinematográfica realizada por la televisión pública británica de una serie de novelas policíacas recientes. FACT Magazine, con esa verborrea cada vez más habitual llena de entusiasmo pero sobrada de aire de hoja promocional y actitud altiva post-indie, llamo a esta serie de tres películas “la respuesta británica a The Wire”. Obviamente no puede picar tan alto en una película de hora y media (sencillamente cada temporada de The Wire es una película de 12 horas) y siendo el inicio de la trilogía con la necesidad de exponer la trama y los personajes sobre los que descansaran las dos siguientes partes, suponemos tiene que sacrificar algo por el camino, aunque de todos modos sigue siendo un visionado recomendable. Las dos siguientes partes, los jueves de las dos próximas semanas (y en DVD en abril).
-2cd-2009-(front).jpg)
