from closer to near

2012-01-26T12:17:00.001+01:00

2012-01-26T11:42:00.001+01:00

De modo que las Gacharic Spin fueron parte de los instructores musicales del nuevo single de AKB48

2012-01-26T11:20:00.000+01:00

Ah, diablos, esta era la canción (casi todas las versiones de este riddim son increibles)...

También identifiqué esta otra (+ Popcaan):

2012-01-26T11:14:00.003+01:00

Leyendo esto y esto.

Escuchando:

Chris Watson on Noise by eprosser

2012-01-26T11:03:00.001+01:00

2012-01-26T01:52:00.000+01:00

2012-01-24T20:57:00.000+01:00

Como casi todo el mundo escuchando* a rebufo esto:

<a href="http://pyecorneraudio.bandcamp.com/album/black-mill-tapes-vol-3">Black Mill Tapes Vol.3 by Pye Corner Audio</a>

La ejecución, arreglos, producción y demás son fantásticos porlo que se puede escuchar en Bandcamp. Pero en estas primeras escuchas no leencuentro mucha más cosa. Supongo que si sigo escuchándolo “crecerá” con lasescuchas.

Umberto Ecoasks what, beyond being loved, transforms a film such as Casablanca (1942) into a cult artifact. First,he argues, the work must come to us as a "completely furnished world sothat its fans can quote characters and episodes as if they were aspects of theprivate sectarian world."6 Second, the work must be encyclopedic,containing a rich array of information that can be drilled, practiced, andmastered by devoted consumers.

The filmneed not be well made, but it must provide resources consumers can use in constructingtheir own fantasies: "In order to transform a work into a cult object onemust be able to break, dislocate, unhinge it so that one can remember onlyparts of it, irrespective of their original relationship to the whole."7 Andthe cult film need not be coherent: the more different directions it pushes,the more different communities it can sustain and the more differentexperiences it can provide, the better. We experience the cult movie, hesuggests, not as having "one central idea but many," as "adisconnected series of images, of peaks, of visual icebergs.”

The cultfilm is made to be quoted, Eco contends, because it is made from quotes, archetypes,allusions, and references drawn from a range of previous works. Such materialcreates "a sort of intense emotion accompanied by the vague feeling of adéjà vu."

(Henry Jenkins “Convergence Culture”)

Supongo, nada nuevo ni desconocido para aquellos que llevanescuchando la música de Ghost Box y demás desde hace años. Pero, en teoría, losescuchábamos por otras razones. Aunque las camisetas y otro merchandising sonmuy bonitos.

“This time around the Belbury sound is augmented with guestmusicians. Even more lavish than usual art and packaging by Julian House isaccompanied by a wonderfully unsettling piece of fiction byElectric Eden author,Rob Young”.

Dicho esto, las reediciones y demás las seguimos consumiendocon agrado:

* La mayoría de discos que estoy escuchando este principiode año son casi todos aquellos de EAI que se publicaron a mediados de diciembrey que están apareciendo en las listas de casi todo el mundo que sigue esteestilo (y que las redactó entrado enero…).

También esto:

SYMMETRY / THEMES FOR AN IMAGINARY FILM by JOHNNY JEWEL

Jump Up In The Air (Stay There)

2012-01-24T18:53:00.002+01:00

2012-01-24T18:37:00.001+01:00

Había escuchado esta canción bastantes veces durante diciembre del año pasado pero hasta esta mañana no me enteré de que era Popcaan. La forma de cantar la línea que da título a la canción, con todo aquello que quieran asociarlo, sinceridad, vulgaridad, desnudez emocional o de cantamañanas o nada de lo anterior, para mí es lo que funciona como gancho, correlato entre el earworm y el deambular entre asociaciones de recuerdos tratando de encontrar o construir una historia que nos haga entender lo que pasa.

También, después de haber publicado las listas de fin de año, en las que faltaban muchas cosas pero no sobraba gran cosa, también apareció el PV del tema de Laza Morgan con Mavado. La pista de baile, nosotros que nos encontramos cada vez más cercanos y el DJ poniendo todas nuestras canciones favoritas, una por una. Y si estábamos liados con las canciones sobre canciones y las canciones sobre escuchar canciones, Mavado decide interpolar a Inner Circle.

Esto no pega (realmente nada lo hace en este blog, todo se fractura y comienza de nuevo) pero bueno, soca-dubstep.

2012-01-24T18:01:00.000+01:00

Sakura Gakuin en un ejercicio de coherencia conceptual tan extraordinario como aterrador decide llevar la idea del grupo como una escuela primaria a su límite y graduar a los miembros que por edad deberían estar accediendo a grados superiores. De modo que cada día que pasa el final está más próximo y todo queda expuesto como transitorio y contingente.

2012-01-24T16:54:00.000+01:00

Open publication - Free publishing - More balearic

2012-01-24T16:45:00.002+01:00

Pitchfork publicó ayer una historia oral de los cinco EPs de Disco Inferno:

We wanted to design a bold logo for the band to give them a strong identity from the start. The original symbol dates back to the 1930s and has a simultaneous clarity and ambiguity that complimented their sound.

We worked with images by the photographer David Spero, who we knew from the Royal College of Art. His landscape photographs were quite unusual for a record sleeve at the time; they were beautiful images of nothingness. The direction of the logo changed with each sleeve to suit the image and echo the idea of sound traveling in different directions. Both the music and art had an ambiguity about them; the band had taken a step into a creative unknown, and the covers reflected this.

Y si se aburren tanto, pueden leerse también la historia de Pitchfork en n+1:

One day in early 2010, the internet message board I Love Music began discussing the Pazz and Jop poll, which the Village Voice had recently published on its website. TheVoice has conducted Pazz and Jop annually since 1971. Hundreds of music critics submit lists ranking their favorite albums and singles, and the Voice compiles two master lists identifying the year’s best music. It is the main event in American popular music criticism. On I Love Music, the Pazz and Jop thread chugged slowly along for a few hours. Then Scott Plagenhoef, editor-in- chief of the music website Pitchfork, began posting under the name “scottpl,” and things picked up speed. “11 of the top 13 LPs and five of the top six singles are shared between this and the Pitchfork list,” Plagenhoef wrote. “For what it’s worth.”

2012-01-20T13:26:00.003+01:00

Un libro curiosísimo

2012-01-20T13:24:00.000+01:00

2012-01-20T13:15:00.001+01:00

Una serie de libros recién publicados o por publicarse que me resultan interesantes por un motivo u otro:

Una colección de textos sobre Laruelle (con entrevista incluida).

El último es una colección de textos sobre distintos tipos de otakus.

Esto, sin saber muy bien el número de páginas de cada artículo, son los contenidos:

Introduction mizuko ito▼
PART I. CULTURE AND DISCOURSE
1 Why Study Train Otaku? A Social History of Imagination
izumi tsuji

2 Database Animals
hiroki azuma

Japan

's Cynical Nationalism
akihiro kitada

4 Strategies of Engagement: Discovering,
Defi ning, and Describing Otaku Culture in the

United States

85lawrence eng

▼
PART II. INFRASTRUCTURE AND PLACE

5 Comic Market as Space for Self- Expression in Otaku Culture
hiroaki tamagawa

6 Otaku and the City: The Rebirth of Akihabara
kaichiro morikawa

7 Anime and Manga Fandom as Networked Culturelawrence eng

8 Contributors v. Leechers: Fansubbing Ethics and a Hybrid Public Culture
mizuko ito

▼
PART III. COMMUNITY AND IDENTITY

9 Making Fujoshi Identity Visible and Invisible
daisuke okabe and kimi ishida

10 Cosplay, Learning, and Cultural Practice
daisuke okabe

11 The Fighting Gamer Otaku Community: What Are They "Fighting" About?
yoshimasa kijima

12 "As Long as It's Not Linkin Park Z ": Popularity, Distinction, and Status in the AMV Subculture
mizuko ito

Al menos tres de los capítulos pueden ser adaptaciones de capítulos de libros sobre dicho tema escritos por los mismos autores (Azuma, Kitada, Morikawa). Quizá el que me resulta más interesante es el último de todos estos. Es un libro sobre un lugar geográfico, el distrito de Akihabara en Tokio y como su arquitectura y economía atrajo a los otakus.

Si alguna vez se han preguntado la razón de las fachadas cubiertas de neones que ilustran tantos momentos turísticos en televisión y cine, es porque cada planta de un edificio comercial se puede destinar a cualquier tipo de uso, y de este modo, cada negocio ha de anunciarse al exterior. Akihabara, durante algunas décadas se especializó en ser un lugar dedicado a la venta de electrodomésticos y electrónica. De modo que digamos, los “geeks”, comenzaron a abundar por la zona. La idea es que la geografía urbana ayudó a proyectar algunas de las ideas que los otakus tenían sobre si mismos. Los edificios no solían tener grandes comercios con escaparates, de modo que no eran lugares donde uno iba a exhibirse y en otro sentido, eran un lugar donde uno podía encontrar mundos “interiores”, mundos de consumo de ficción que apelaran a su fantasía. Es decir, sobre todo tiendas.

Entonces, al revitalizarse económicamente la zona mediante la atracción de este público, la presentación de los espacios y la publicidad trató de apelar a sus gustos, creando de hecho, una extensión de todo aquello que pudieran consumir en la intimidad de sus cuartos. El autor tiene en su web, una serie de galerías fotográficas (los cinco primeros links).

http://homepage1.nifty.com/straylight/main/akihabara.html

Como podrán comprobar en el último enlace, la Akihabara de los otakus es un espacio en el tiempo ya que el distrito se está gentrificando.

http://ajw.asahi.com/article/cool_japan/fun_spots/AJ2011102415352

Si leen el artículo podrán ver o intuir que en parte, AKB forma parte de todo esto. Es decir, el modelo de negocio es el de un teatro musical. Quizá este gesto les suena de otras ciudades, donde este modelo es patrocinado para atraer al turismo, mientras las salas musicales para conciertos de rock se cierran. A mi me gustaría explorar más esta idea nada descabellada entre la relación entre gentrificación y música idol.

Muchos de los grupos locales (gotochi idol) que están surgiendo como la espuma tienen la función de establecer un modelo de negocio, más o menos pasajero, que revitalice el comercio de las zonas urbanas donde se instalan. También pueden servir para promocionar el turismo de la zona o sus productos gastronómicos. Quizá el ejemplo más descarado de esto sea este grupo, cuya formación estaba incluida en el proyecto de reforma del ayuntamiento. La música realmente puede cambiar el mundo.

2012-01-17T14:15:00.001+01:00

2012-01-17T13:21:00.001+01:00

2012-01-10T11:04:00.002+01:00

2011-12-20T00:59:00.000+01:00

"Once Marcuse joins the Frankfurt School, this original Heideggerian Hegelianism is overlaid with a messianic concept of the future derived ultimately from Walter Benjamin. Now the future is not simply a human creation but a redemptive possibility interrupting the continuity of history. The essential potentialities, while remaining rationally grounded in social analysis and critique, delineate this redemption, revealing the world in its truth. As Adorno writes, “The only philosophy which can be responsibly practiced in face of despair is the attempt to contemplate all things as they would present themselves from the standpoint of redemption. . . . Perspectives must be fashioned that displace and estrange the world, reveal it to be, with its rifts and crevices, as indigent and distorted as it will appear one day in the messianic light. . . . Consummate negativity, once squarely face, delineates the mirror image of its opposite”".

Andrew Feenberg “Heidegger and Marcuse. The Catastrophe and Redemption of History”

Tres reflexiones tras ver “Sunny” (“Sseo-ni” de Hyeong-Cheol Kang)

2011-12-20T00:51:00.000+01:00

- Es una película de una moral curiosa: ¿Si las dictaduras militares eran tan divertidas para qué derrocarlas? La violencia escolar es algo común, aunque la de antes era distinta. Las casas siempre son fantásticas independientemente del nivel de renta que tengas. Los maridos son distantes y tratan de salvar dicho problema mediante el dinero. La gente de la izquierda se puede reconvertir en miembros productivos de la sociedad. Sólo hay redención para algunos, usualmente aquellos que nos caen simpáticos.

- Debe ser la película con más tacos que he visto en mi vida.

- Es una película caudalosa y llena de vida que jamás te imaginarías pudiera salir de una combinación de películas “de mujeres”, comedias de pandillas adolescentes y nostalgia edulcorada por un tiempo pasado.

2011-12-19T20:57:00.000+01:00

"GAVIN ARNALL: You argue in The Politics of Aesthetics that “it is within the mimetic regime that the old stands in contrast with the new.” This makes us think of the surrealist practice of invoking the outmoded, a practice overlooked by many theorists of the avant-garde who characterize the avant-garde as inclined toward rupture, the future, and the new. Do you see this romantic gesture of invoking the outmoded and utilizing it in a new way as a practice in accord with the aesthetic regime? Does this practice, in other words, participate in constructing what you call “the newness of the tradition?”

JACQUES RANCIERE: Yes, I think so. The aesthetic regime means a rupture with what came before, the mimetic regime. The latter was ruled by an idea of the historical evolution that created a gap between the ancients and the moderns. On the one hand, the ancients were supposed to provide models. But, at the same time, they were the primitives, and it was no longer possible to do the same thing as they had done. One had to study Sophocles or Aeschylus, but it was not imaginable to perform their plays because they were at odds with modern refinement. I think one of the markers of the move toward the aesthetic regime is the project to present on stage the plays of Greek dramatists. Even the concept of the classics is linked with the aesthetic regime, which leaves open the possibility of reusing, recycling, and reinventing the ancient forms. I think it is quite an important point. You mention surrealism as a way of reusing existing forms, and it is true that in surrealism there are instances of reusing aesthetic forms that are scorned, such as popular culture. Basically, I think that the aesthetic regime means this possibility of reappropriating all the works of the past, that it has been constructed by forms of recycling, by reinterpretations. The idea of rupture has been heavily emphasized; however, it is important that precisely the most radical statements of rupture with the past are combined by forms of artistic practice that were in fact practices of reinterpretation and the reuse of existing forms. Surrealist practices clearly belong to that tradition that is part of the actual tradition of modernism, along with future-oriented ideas of art constructing the new forms of life. Modernism has always thrived on that duplicity. The problem is that what is called modernism today belongs to neither of these two forms. It is in fact an antimodernist ideology elaborated in narrow leftist circles at the end of the 1930s. Postmodernism in turn validated the confusion and contributed to obscure the historical reality of aesthetic modernism".

De “Aesthetics and Politics Revisited: An Interview with Jacques Rancière”

2011-12-19T14:54:00.002+01:00

2011-12-19T12:59:00.004+01:00

25 + 25 * 2011

2011-12-14T19:43:00.000+01:00

Mi lista de lo "mejor" del año comienza con una contradicción aparente. Por un lado, un disco de Richard Craig que ha estado preparando durante seis años. Es el tipo de disco que podrían comprar dentro de una década y que les abriera una puerta a una muy particular estancia dentro del mundo de la música clásica contemporánea. La de unas piezas para flauta de tal virtuosismo en la ejecución técnica y dificultad para la interpretación del ejecutante que algunas de las piezas antiguas aquí, las del movimiento de la Nueva Complejidad, con su intención de llevar al extremo estas características para llevar a su momento culminante la música moderna, suenan superadas, derrotadas en sus intenciones, presentados como vestigios de un pasado cegado de si mismo.

A su lado, en el extremo opuesto, el triple DVD recopilatorio del grupo de chicas que ahora mismo más vende en Japón. Si usáramos el mismo criterio de “trascendencia” que hemos usado con el disco anterior, los resultados serían desastrosos. ¿Realmente se puede entender el grupo aún con una colección tan amplia (llena de comentarios de las propias componentes sobre las canciones)? Incluso aunque nos dirigiéramos al otro fastuoso recopilatorio que el grupo sacó este año (la caja de 23 DVDs donde se recogían cada uno de los “escenarios”/“stages” que cada uno de los equipos de la franquicia 48 ha realizado por las integrantes actuales en una serie de conciertos), el contenido resultaría elusivo, y finalmente accesorio.

Si en cambio usamos otro criterio, dándole la vuelta al elogio que hemos otorgado antes al disco de Craig, la sensación de que es un disco al que volveremos y tendremos más o menos rachas de escuchas durante años o décadas, pero con el cuál no conviviremos, la cosa cambia. Entonces el triple DVD deja de ser un fantasma, una especie de sustancia sublimada ajena al constante quehacer y el runrún de las cosas que de forma diaria el grupo te hace sentirte participar en. De modo que un recuento de distintos modos de entender y vivir la música. Al menos aquellos de los cuales me he enterado o me han interesado. En ningún orden en concreto, aunque como siempre señalemos alguna canción o disco como definitoria de este momento, al menos el nuestro como oyentes.

Canciones:

After School “Shampoo”

“In a book review about a volume on toys, Benjamin writes down observations that in some respect are descriptions of the contemporary metropolitan: Benjamin states that repetition, the request for “one more time”, is the heart and soul of children’s games. Repetition is the way to deal with the uncanny of primary experiences. Benjamin sees that repeating the same again and again constitutes a common, liberates the heart from fear, transforms the shocking experience to a custom”.

Paolo Virno “Under Pressure”

Dal Shabet “Pink Rocket”

Lo mejor de esta canción es el sonido electrónico burbujeante que sirve de base durante la mayor parte de ella. Esa continua tensión entre creación y desaparición, ese espacio de intimidad compartido y el gozo ensimismado en la repetición del gesto. En el MV esto se ilustra con metáforas sobre la salida del cuerpo (viajes espaciales, la contemplación de iconos, la empatía al mirar el rostro y la sonrisa del otro y las aproximaciones a los cuerpos que hacen menguar las distancias). Pero como esto es K-Pop y todo gira en torno a lo útil y lo productivo, también incluyen un montón de planos donde puedas ver sus entrepiernas, una máscara de gorila de las que se usan en los vídeos pornos de por allí para que no te expulsen de la familia y una portada con una imagen que reduce todas sus preguntas sobre aquello a lo que puedan referirse con un “cohete rosa” a si este es de plástico o carne.

SNSD “Visual Dreams”

Las SNSD tienen que ser casi cualquier cosa casi siempre: perfectas, llenas de talento, amigas, amantes, hijas, embajadoras, trabajadoras, modelos, etc. Un modelo al que todo el mundo debería aspirar o rendirse. Una ideología de la imagen. En el año donde trataron de conquistar el mercado norteamericano con un disco donde, según la promoción, abandonaban su anterior imagen por una más madura y arriesgada, es decir, diciéndole a todo el mundo que todo lo les gustaba de ellas era mentira, que trataba de ser tan enfáticamente exacto, impactante y emocionante que no era nada más que basura (mi copia acabó en la papelera tras la primera escucha) pero que tenía la virtud de hacer más reivindicable su disco donde intentaban conquistar el mercado japonés con su imagen impactante, madura, arriesgada, impactante o algo así o impactante de nuevo, que logré escuchar unas cinco veces más, hasta considerar que el modelo vital que proponían me resultaba tan deprimente, tan falto de aliciente que sólo podía provocarme una depresión.

De modo que en toda esa vorágine la canción que más nos gustó de ellas fue esta, cuyos fans suelen detestar por su coreografía sin gracia, donde la música es un tanto simplona, sirve para promocionar a una marca de ordenadores, están rodeadas de tonterías y chorradas imaginarias (como siempre) en lugar de cosas que parezcan sacadas de un anuncio y donde el único aliciente parece ser el de observar a una serie de mujeres interrelacionadas, imperfectas, con una vida de mierda, sin adolescencia y expuestas en uno de los mundos del cotilleo más salvajes que se recuerdan, siendo poco más que cuerpos que dejarán de ser, imágenes capturadas de un tiempo que se escapa, sombras, indicios del misterio sobre el que se levanta todo lo anterior.

Christina Rosenvinge “Mi vida bajo el agua”“

Mierda mainstream” por descontextualizar lo que dijo otra persona para justificar sus motivaciones indies.

Fallulah “Out of it”

Canción usada, si recuerdo bien, para una serie popular en Dinamarca.

AKB48 “Everyday、カチューシャ” /
SKE48 “パレオはエメラルド”

Dice Henry Jenkins que “a transmedia story unfolds across multiple media platforms, with each new text making a distinctive and valuable contribution to the whole. In the ideal form of transmedia storytelling, each medium does what it does best—so that a story might be introduced in a film, expanded through television, novels, and comics; its world might be explored through game play or experienced as an amusement park attraction. Each franchise entry needs to be self-contained so you don't need to have seen the film to enjoy the game, and vice versa. Any given product is a point of entry into the franchise as a whole. Reading across the media sustains a depth of experience that motivates more consumption”.

En Japón a esto lo llaman usualmente “media mix”. Salvo que ellos le han añadido un toque extra: el concepto de los personajes que pueden resistir el paso de un medio a otro sin importar que el mundo en el que habitan se resquebraje y se transforme continuamente. Figuras que tienen el alma en la superficie. Algo que por comodidad llamaremos “moe”. AKB48 es un inmenso y extenuante media mix que ahora mismo va camino de transformarse en la más importante formación femenina de la historia del país en según que registros.

En esta canción se ponen completamente “meta”: la letra habla de un encuentro en la playa, como al personaje que narra la historia le gustaría que todo se detuviera en este momento fugaz en el que se encuentra con la chica por la que siente estas emociones. Que no hubiera una degradación en la intensidad de este “amor”.El PV por su parte en una serie de ritornelos en forma de motivos visuales y narrativos de todos sus videos anteriores que se recombinan para generar nuevas variaciones, nuevas historias que experimentar. Como si se tratara de una fan fiction, o de la realidad habitual de un fan. También al obrar de este modo y con estas formas se activa un modo de consumo basado en la creación, adquisición e intercambio de conocimiento acerca del grupo (necesario cuando por ejemplo, en el primer visionado, aparecen al menos 40 o 50 guiños), que convierte la experiencia en algo inclusivo y propio para el aficionado al grupo (no tanto para aquellos que no).

SKE48, por su parte llevan todo esto en otra dirección en otro PV muy “meta”, aunque esto apenas lo intuirán por lo que hay colgado en canal de YT. El habitual modo narrativo de la franquicia, una serie de chicas que terminan acabando con su frustración diaria saltando al mar desde un acantilado hasta que se hace de noche, mengua para convertirse una exploración de estas figuras con alma. Cuerpos suspendidos en el aire, cayendo con gracia o sin ella al mar, buceando bajo este hasta donde sus fuerzas pueden y dejándose arrastrar hacia la superficie entonces.

Don Ihde tiene un artículo fascinante titulado “Bodies, Virtual Bodies and Technology” que parte de una anécdota que usa como ejercicio en sus clases para introducir la fenomenología: hacer a sus alumnos que se imaginen en una experiencia que nunca han hecho en la vida real. Según los comentarios del autor, en la mayoría de los casos todo acaba terminando con la idea de volar, saltar en parapente o desde un avión. Lo interesante sucede ahora: al ponerse los estudiantes a imaginar hay dos grandes grupos, aquellos que se imaginan saltando al vacío y aquellos que se ven saltando al vacío. Al explorar estas sensaciones (por ejemplo, la gente del segundo grupo no recuerda su rostro en el cuerpo que cae) surgen una serie de rasgos que conforman una perspectiva corpórea y otra sin cuerpo, una experiencia multisensorial o una objetificación en el registro visual de una experiencia corpórea. Para entonces “saltar” a tratar de explicar las experiencias “fuera del cuerpo” y como en estas, los individuos se ven tumbados, nunca de pie o de forma activa, es decir, nunca en una experiencia sensorial en la que se sea consciente del cuerpo, como por ejemplo al realizar deporte, buscando una situación donde uno pueda imaginar que los límites y bordes del cuerpo se desvanezcan como al estar inactivo. Es decir, son ambas una serie de perspectivas en las que uno puede proyectarse.

Lo interesante, es como entonces viendo este PV, donde las chicas como ídolos que son practican lo que Arlie Russell Hochschild en su intento de definir en qué consiste el trabajo afectivo en “The Managed Heart. Commercialization of Human Feeling” llama “actuación profunda”, una en la que las presiones para comportarse de un determinado modo respecto al consumidor terminan por hacer realidad los gestos y la interpretación que se quiere presentar a este. Es decir, que son felices siendo “felices”. Y en cierto modo, al consumir esta “felicidad”, uno se convierte en lo que hace, es decir alguien que es feliz. Y en cierto modo, al ponerse en el lugar del otro a través de la empatía, vivir estas experiencias imposibles, estos cuerpos que avanzan a distinta velocidad en sus trayectorias a través del espacio, una especie de intensificación en la que se vive a través del cuerpo del otro, del ídolo. Dicho lo cual, “Okie Dokie” de SKE48 es mucho mejor canción que estas dos.

Momoiro Clover “Mirai Bowl”

Quizá lo más estremecedor de este PV de Momoiro Clover, en el que todo se convierte en un modo de juego y donde ni el tiempo ni las reglas del mundo parecen tener ningún efecto, cuando sólo existe la representación entendida como un loop es que sea el último antes que la chica que hace de “Danny” dejara el grupo. En la edición en DVD que acompaña al single en formato físico, esas fisuras que se intuyen se abren y la canción cede paso a las partes de “drama”. Una forma como cualquier otra de querer que no suceda lo inevitable.

Britney Spears “Hold It Against Me”

Quizá la historia más divertida sobre la canción que introdujo en el mainstream los sonidos del dubstep (cómo odiaremos esa palabra durante los próximos años) es que fue motivo de demanda por plagio de una canción country, que seguramente el compositor, que como todo el mundo sabe era el cantante de un grupo de hair metal europeo, jamás escuchó. Aunque al parecer era por la letra. El disco en el que está incluida esta canción está muy bien, algo que descubrí la semana pasada. Supongo que por una cuestión de sesgo ideológico respecto a este estilo de dance mainstream actual: jamás algo pareció tan poco utópico y tanto una oda al consumismo sin fin como intento de retorno a épocas recientes.

Kate Bush “Deeper Understanding”

Porque según parece esta vieja y un tanto perdida. Y después se morirá.

Nicola Roberts “Beat of my Drum”

“Don’t I make your heart go wild?”

No así.

Amei “都什麼時候了”/ “你在看我嗎”

Una por la interpretación vocal, la otra por los arreglos de cuerda.

tengal6 “ルービックキューブ”

tengal6 son un grupo raro: idolos “indies” y más o menos alternativos que en realidad hacen hip-hop patrocinados por la más conocida firma de productos eróticos femeninos de Japón. En esta, su primera canción y PV, asocian las tardes de tiempo suspendido que se pasan jugando con la creación y liberación de tensión de un sample de piano, una sección de vientos para el estribillo y sintetizadores que parecen ascender como cuando uno se acerca a la resolución de un problema, un argumento, un juego.

Nadia Oh “Taking Over The Dancefloor”

Nadia Oh publicó un disco terrible hace unos meses. Era un disco que amagaba tratando de ser todo lo que es esta canción, explicando sus intenciones a través de la letra (ser única, no ser vulgar como los demás, divertirse) o intentado repetir elementos musicales (los riffs, el ritmo moombathon y demás). Un completo quiero-y-no-puedo, si cabe más ridículo como espectáculo una vez que lo ya conocido resultaba ser lo único memorable de todo el asunto.

Ms. Dynamite “Neva Soft”

De un arranque roots a los bajos del dubstep pasando por las rémoras al drum&bass, salpicados por las letras más o menos concienciadas, más o menos sensibles interpretadas con empuje por Ms. Dynamite. Una manera posible de imaginar como debería ser la transición (y la tradición) de la bass music al mainstream tal como se imaginaba hace unos años.

Kyari Pamyu Pamyu “PONPONPON”

Montada sobre una producción típica de la casa de Yasutaka Nakata (Perfume, capsule) que derrocha ternura por todos los lados, Kyari acumula todos sus fetiches en un único mundo: pedos, mocos, ojos, trufas, juguetes, la tensión facial al hacer muecas, botas, murciélagos, etc.

GEM “Good to be Bad”/ “Get Over You”/ “One Button”

Lo que hace un año. Ahora que la burbuja inmobiliaria china está a punto de estallar, la posibilidad de un mundo donde el centro de poder hegemónico se trasladara de los Estados Unidos al país comunista se parece cada vez más a uno de esos futuros olvidados que tanto habitan según que discos recientemente. De todos modos, podemos hacer el ejercicio utópico y aunque GEM no sea realmente de allí aunque sí, sino de la sinoesfera, tratemos de imaginar como sonaría la música que viniese de esta alteridad, aquella que representara el apogeo y la aspiración de todo un modo de ver la realidad. Como ejercicios de intensidad en discos de Toni Braxton, Céline Dion, LeAnn Rimes.

Negoto “Charon”

He decidido escoger “Charon” de Negoto como mi canción del año por razones que no se muy bien si seré capaz de explicar. En un año donde un montón de las cosas que han parecido preocuparme, en el aspecto formal pero también en lo íntimo y personal, podrían girar en torno a la idea de que una forma narrativa o un objeto artístico es una manera de conectar y establecer relaciones entre materiales dispersos, una forma de sintetizarlas y hacerlas tangibles y reales por accesibles, es una canción que al menos a mí, me parece habla sencillamente de eso.

Cuando hablo de formas narrativas incluyo el relato que hace uno mismo de su vida, que es una manera como cualquier otra de condensar y plasmar sensaciones fisiológicas, recuerdos de recuerdos, valoraciones, ideología, creencias, experiencias sentimentales, en un algo coherente. De modo que si, en este año donde se reedita “Nevermind” y donde la música que formó parte de mi adolescencia parece volver, como una especie de presencia fantasmal, me decido por esta canción es por lo que esta forma de entender la música, este encabalgamiento de pasajes relajados y aceleraciones de emoción, esta forma de rebotar de un estado al otro, transitando por el mundo a la espera de los tramos de mayor intensidad que hagan desembocar la canción en algo para recordar, la he asimilado a la hora de enfrentarme al mundo, apropiarme y distanciarme de lo que sucede y tratar de provocar algo que parezca generar algo de sentido y orientación. Es decir, como estas formas parecen condensar, justificar, reproducir una serie de dinámicas mentales que supongo han estado ahí toda mi existencia.

No digo esto en forma de condena. Quiero decir que llevo veinte años repitiendo esto. Quiero decir, que llevo veinte años fracasando por usar este diagrama y buscar la solución en una intensificación de su uso. Quiero decir que esto no tiene nada que ver absolutamente con la música y una determinada serie de opciones estilísticas dentro del pop-rock. Sólo que articulo una serie de conflictos, dudas, incertidumbres y valoraciones acerca de mi mismo a través de estos textos. Y que como en el PV de esta canción, al final espero que salga el sol para justificar toda esta noche y el silencio de las cosas que me rodea. De modo que escojo esta canción no porque crea en un reencuentro, en una redención al reconocer esto sino para decir que lo que quiera que sea que quiera decir con todas estas metáforas, estas dinámicas internas que van a seguir presentes cada día y no se resolverán jamás pero me dan absolutamente igual.

Stylo G “Call Mi A Yardie”/
Keida “Bubble Up”

Swag

Metronomy “The Look”

Don Omar “Danza Kuduro”

Hace algunos meses hicimos la petición a nuestros escasos lectores de sugerirnos algunas de las canciones que consideraban imprescindibles para entender este año. Incluimos así la integridad de sus sugerencias.

Sunny Sweeney “From A Table Away”

Como todo indie que uno en el fondo sigue siendo, al final nos refugiamos en el country. Aunque por molestar lo hacemos en el mainstream. “From A Table Away” es un botón de muestra de lo que uno se puede encontrar en el disco de debut de esta mujer, donde historias como esta, de alguien que es “la otra” y se encuentra en ninguna parte sin tener esperanza alguna de futuro con o sin la presente relación sentimental (un tanto increíble esa donde escribe una carta a la esposa de “su” hombre para comentar lo doloroso que tiene que haber sido toda la experiencia para ella pero también para que se aclare las ideas y ella también pueda continuar o pasar página), se repiten y complementan, aunque quizá (un quizá fuerte) sin esta presentación casi cinematográfica en texto e instrumentación.

Hoshi no Otome Kagekidan “ひばりが愛したカメラマン”/
Dorothy Little Happy “Jump” /
Seifuku Kojo Iinkai “ダッ！ダッ！脱・原発の歌”

Hace ya tiempo que tengo la teoría de que escuchar música idol japonesa es algo que uno tiene que posicionar como un axioma: debe haber algo interesante porque pienso que puede ser interesante. Para rizar el rizo, nos despedimos del mainstream y este año hemos explorado las escenas de los ídolos locales (los que no pasan de los límites de su provincia), los underground y aquellos que resultan de difícil digestión para el público mayoritario.

Hoshi no Otome Kagekidan tienen una estética que a ratos parece un cruce entre según que sonoridades de discos de Antonio Vega, pop electrónico, melodías de Ella Baila Sola y videoclips de esos que las cadenas privadas emiten a altas horas de la madrugada. Aunque son unas referencias peliagudas conforman un todo coherente y si uno consume todos sus PVs (todos menos el que acaban de publicar los pueden encontrar en el mismo canal en YT) uno tiene una un tanto desconcertante y desasosegante sensación de intimidad con el grupo y con las propias canciones, como si hubiera convivido ya con ellas antes de haberlas escuchado. Esta es su canción con más guitarras, es bastante accesible, y aunque no puedan mantener la formación al bailar porque el espacio no es más grande debe ser su PV con más presupuesto (ese otro donde tratan de recrear un bar…). Para acentuar un poco la sensación de vidas a la deriva, la que parece la cantante principal del grupo ya lo dejó.

De la canción de Dorothy Little Happy ya hablamos en otra ocasión.

SKi (que se formaron en los 90) están tratando de encontrar su lugar en la actual escena idol aportando algo caro de ver: ideas políticas. Tras el gran terremoto que asoló determinadas zonas del país hubo por parte del mundo de la música todo tipo de propuestas para fomentar el espíritu de reconstrucción o la acción solidaria (por mencionar los casi seis millones de euros que soltaron AKB, o la edición de discos de grandes éxitos que dedicaban un escueto % de sus beneficios a la causa o conciertos solidarios, galas y demás). Mucho más raro de ver fueron las propuestas que hicieran resaltar las zonas afectadas por causas “no naturales” respecto del conjunto. Una de estas fueron por ejemplo los conciertos organizados por Dommune y los canales de comunicación prestados por estos, o las actividades de Otomo Yoshihide con residentes de la zona o festivales que trataran de cambiar la asociación de ideas que sufrirá Fukushima en el futuro por otra más positiva. SKi prestaron su canal de Ustream para difundir reivindicaciones por parte de los granjeros de la zona y publicaron un single con dos canciones. La segunda “原発さえなければ”con una de las componentes originales del grupo haciendo de cantautora habla sobre las condicones de vida de las vacas.

La que presentamos aquí además de incluir la pronunciación más tierna que jamás recibirá en una canción la palabra “microsievert”, dice entre otras cosas a los partidarios de la energía nuclear que se queden a vivir en las zonas afectadas o que los políticos están más preocupados por mantener el puesto que por los problemas de la gente. A diferencia que otros proyectos, ellos anunciaban desde el principio que 300 de los 1000 yenes que costaba el single iban a proyectos de reconstrucción en Fukushima. La cantidad recaudada es ridícula como ha de ser por necesidad con un grupo que difícilmente vende más de mil copias, pero es actualizada en su página web en un ejemplo de transparencia un tanto inaudito. Además, como se puede comprobar en el PV han participado en diferente protestas a favor de los granjeros y en contra de las nucleares. Algunos de los comentarios que se pueden leer en YT sobre su PV: “No hay ni una que sea bonita” o “Si queréis ser de izquierdas iros a Corea del Norte”.

Vybz Kartel “Summertime”/
Popcaan “Ravin” /
Laza Morgan ft Mavado “One by One”/
Mavado “Settle Down”

Escuchadas en una sesión de radio jamaicana durante un espacio de dos horas cambiaron por completo mi actitud sobre la música de este año.

KathyB “Perfect Stranger”/
Emeli Sande “Heaven”

Pon-pon-po chakachakacha

Heatsick “Ice Cream on Concrete”También hablamos de esta en otra ocasión.

Discos

LV and Joshua Idehen “Routes”/ Damu “Unity”

Ambos discos entroncan con una serie de discos recientes que tratan de mostrar a Londres como lugar físico donde transitan y se comunican una serie de escenas y tradiciones musicales así como comunidades étnicas, sociales o comunicadas por la experiencia compartida de habitar un determinado barrio. Este gesto en si mismo no deja de ser político, el mostrar la parte de aquellos que no tienen parte, los que no tienen espacio cuando se representa la ciudad en los medios de comunicación. Cuando se reclama que esta serie de interacciones humanas es lo único que hace habitable y tolerable la vida en esa ciudad. Lo cual no dejaría de ser un gesto muy bonito si los discos no funcionaran del modo en que funcionan. Como el de LV ha sido bastante bien recibido, aunque no tanto votado, mencionaremos que la “irregularidad” del disco de Damu consiste en tratar de encontrar el “chispazo” en cada uno de los temas incluidos, que es algo que a mi entender consigue y que hace que el disco resulte muy tierno.

PJ Harvey “Let England Shake: 12 Short Films by Seamus Murphy”

El último disco de PJ Harvey es una reflexión musical donde se utilizan como punto de partida samples de canciones y textos sobre conflictos armados para ilustrar los tiempos actuales donde este país, como casi siempre, se encuentra inmerso en conflictos armados aunque se les llame de otro modo.Como esa parte del disco ha sido más o menos diseccionada en múltiples otras críticas nosotros nos centraremos en los aspectos de su modo de presentación/promoción que acompañaron, conformaron y expandieron su escucha en el tiempo.

Desde la concesión de entrevistas a distintos medios de comunicación al estreno en los lugares más variopintos de los cortos visuales que ilustraban cada una de las canciones pasando por la cantidad de conciertos que pudieron disfrutarse de manera gratuita por streaming, radio o televisión, la publicación gradual de críticas al respecto (incluyendo premios mediáticos), los comentarios generados a través de estas, en foros, en los propios comentarios del canal de YouTube donde todos los videos fueron con mayor o menor celeridad siendo alojados (un continuo desvelar y centrar la mirada en cada rincón del disco a través de las semanas). Todo este quehacer forma parte para mi de lo que significa este disco, y como resulta un tanto extraño tratar de votar esto en si mismo en lugar del disco como objeto físico, al final nos decantamos por la edición en DVD, quizá por convenciones como la mejor calidad de imagen respecto a YouTube.

Motion Sickness of Time Travel

Ni se sabe cuantos discos ha publicado esta mujer durante este año (al menos yo he escuchado cinco). No selecciono ninguno en particular ya que hay distintos tipos de composiciones en sus discos, algunos de los cuales (los que giran en torno a las microrepeticiones) me quitan el aliento, mientras otras me parecen una bonita música de ambiente y me dejan un tanto indiferente. A pesar de esto o precisamente por esto, la necesidad o compulsión de completar/explorar para poder filtrar aquello que me resulta interesante, difícil separarla de lo que ha sido este año.

Dickie Landry “Fifteen Saxophones”/
Bill Dixon Orchestra “Intents & Purposes” /
VV.AA. “Opika Pende; Africa at 78 RPM”/
VV.AA. “This May Be My Last Time Singing. Raw African-American Gospel on 45RPM 1957-1982”

O el sitio donde acumulamos algunas de las reediciones y recopilatorios de este año (ya se hace difícil tratar de mantener diferentes categorías entre “novedades” y esto, por la cantidad ingente de material que vuelve a circular). Habría muchas otras más cosas para añadir aquí, desde los Beach Boys a Tazartes, pero nos da un tanto igual para lo que utilizamos estas referencias aquí.

Dickie Landry era el saxofonista del grupo de Philip Glass durante los 70. Este disco en solitario consiste en una serie de composiciones e interpretaciones para distintos instrumentos de viento (flauta, saxofón) uno cada vez, aunque en múltiples pistas y con montones de efectos de eco y delay. Por hacerse una idea de cómo puede sonar, no suena tan distinto del saxofón que sonaba hace años en las remezclas de Kevin Shields a Primal Scream. Una oscuridad para explicar otra oscuridad. Estoy sembrado.

El disco de Bill Dixon, que alguna vez The Wire votó como uno de los discos más importantes de la historia, llevaba descatalogado casi desde su publicación (y circulando desde hace más de un lustro en MP3 tomado de un vinilo usado).

El recopilatorio de “Dust-to-Digital” te permite aterrarte al emocionarte por la capacidad de registrar en grabaciones la sensación de vida y gozo de unos interpretes que en la mayor parte de los casos ya deben estar muertos y nadie recuerda.

El último recopilatorio, sucesor natural de otro disco de raw gospel que selecciono hace unos años el tipo que edita Yeti, hace simplemente honor a su nombre. Si ya consumieron aquel ya saben lo que escucharán aquí: gente dando sermones sobre apuntes de guitarras soul, proto-rock o congregaciones que responden al predicador con la típica energía y presencia del cuerpo para alcanzar la espiritualidad de la tradición de la música afroamericana (la de USA por puntualizar).

AKB48 “AKB ga Ippai – The Best Music Video”/
Richard Craig “Inward”

Un triple DVD que recopila PVs desperdigados en formatos CD single + DVD. Un disco que sólo he escuchado a través de Spotify.

Ekoplekz “Memowrekz”

Ekoplekz, antes un muy respetado blogger que ayudó a catalizar la escena dubstep ha tenido montones de lanzamientos a lo largo de este año. Yo me decanto por esta doble casete o descarga en formato MP3 o FLAC que publicó el sello Mordant Music, que dura cerca de dos horas. En cierto modo lo asimilo a las sensaciones que originaban los recopilatorios acerca del BBC Radiophonic Workshop, la acumulación de materiales dispersos, las discontinuidades de unos a otros, los cambios de intenciones superpuestos y secuenciados. Usualmente lo dejo puesto mientras hago otras cosas. Modos de consumo, modos de escucha. En ese mismo sentido podría haber añadido el disco de Caboladies “Renewable Destination”.

Nuel “Trance Mutations”

Otro disco en cierto modo inexistente. Publicado originalmente como “white label” y descatalogado al poco tiempo y reeditado hace poco de nuevo en formato vinilo (al cual ni tengo acceso ni interés por tenerlo), pero que se puede escuchar (no comprar como descarga) en el Bandcamp del sello discográfico. Bongos, guitarras, sintetizadores, viento y sol en el rostro y entre los cabellos.

Fasenuova “A la quinta hoguera”

Casi lo mismo que lo anterior, aunque este si se puede descargar (algo que todavía no he hecho). Muy majo para escuchar en reuniones familiares.

Laurel Halo “Hour Logic” + mix “Seasons”

Una forma de catalogar sensaciones de anticipaciones del futuro por llegar que aparecen en distintas músicas pop y su aplicación a las composiciones propias para imaginar un presente donde todo lo anterior, en general, forma parte del ambiente en el que nos movemos.

Saori@destiny "Domestic Domain"/
Perfume "JPN"

Perfume transformaron su obsesión por el futuro en un ansia por el encuentro que ha de llegar, una especie de metáfora en un mundo consumismo. El año pasado publicaron un montón de canciones memorables (incluyendo caras B). Este año sólo dos singles que palidecen un tanto respecto a aquellos pero que son remezclados para la ocasión. Además añaden unos cuantos temas nuevos, que no aportan grandes sorpresas y salvando un par de decepciones y añadidos que no aportan nada, ayudan a dar forma a un disco estupendo que nadie en el mundo del mainstream se puede imaginar sacando así como cualquier cosa, sin darle importancia alguna o esperar que la gente tenga otra reacción al respecto.

Saori@destiny se mueve en otros patrones sonoros distintos a los de Perfume, aunque el fondo no resulta tan distinto. Aquí hay más acumulaciones de distintos materiales sonoros, desde dubstep a baladas funk de los 80 pasando por la música house o el R&B japonés, pero la misma intención y similares reacciones al intentar afrontar el mundo o relacionarse con él.

Patrick Farmer “Green rings around the eyes, this grass in vibrant motion”

Pieza sonora para micrófono solo.

Disco Inferno “5 EPs”

En The Quietus hay una entrevista reciente con algunos de los components de Disco Inferno sobre las circunstancias del grupo cuando publicaron sus discos, el ambiente en el que se movían (el de un Brit-Pop neoliberal y un mundo de posibilidades sin fin para los que tuvieran acceso a ellos que después daría productos para la posteridad como “Friendo”) y temas recurrentes, el fin de la Historia, de la evolución del pop y del arte, bastante en carne viva. Este disco debería ir a la sección de reediciones, aunque nunca ha existido realmente más que como un recopilatorio “pirata”. Da para pensar un poco el ambiente de clase trabajadora del que parten los componentes, la clase de bagaje y traumas con los cuales tienen que cargar para seguir adelante con sus vidas y por ejemplo intentar discutir las ideas casi Benjaminianas de aquello que podía hacer mover hacia nuevos territorios el mundo del pop (la aplicación y el uso de las nuevas tecnologías para desarrollar posibilidades expresivas no habituales en el mundo de costumbres y escuchas relajadas del mundo de la música comercial). Aunque la exaltación de la tecnología por la tecnología sea un quebradero de cabeza y el mundo de lo humano que se añade resulte demasiado poético y erm, “humano”, las canciones siguen estando ahí en el limbo, esperando que alguien pueda ir más allá de ellas.

Leyland Kirby

Boy Better Know “Tropical 2”/
Kuedo “Severant”/
Philip D. Kick “Footwork Jungle Vol.1-3”

Productores de grime que se imaginan un retorno a la sensualidad del 2-step mientras se pasan al negocio de los móviles, productores de dubstep original que se encuentran tan frustrados con el momento actual de la escena, con la disipación de la energía original del movimiento y sus valores que deciden imaginarse como replicantes escapando de un mundo urbano tan aplastante como las bases del coke rap y tratamientos footwork para reimaginar un puñado de clásicos del jungle, o revisitar el futuro del pasado a través de lo que más parece el futuro en el presente.

Anne Guthrie “Perhaps a favorable organic moment”/
Chris Watson “El Tren Fantasma”

Unidos quizá por rezones contradictorias. El disco de Chris Watson se abre con voces que anuncian la salida del tren del título y se cierra con las que se encuentra al final (literal) de la línea, cuando no sólo se llega al destino sino que se anuncia que este ha sido el último viaje antes de cerrar este trayecto. Es decir, lo que se hace con esas grabaciones es otorgar un principio y final al trayecto sonoro, establecerlo como una documentación de un momento y un lugar que dejaron de existir hace una década. En cierto modo, esta exposición clara de intenciones dentro de la misma obra ha sido lo que me ha generado más problemas al escuchar este disco. Lo cual admitimos resulta un tanto extraño ya que lo que al menos a mi me gusta de los discos de Chris Watson es su proceso de montaje, el ensamblaje y montaje de las grabaciones de campo para contar y documentar historias y lugares, espacios y desarrollos en el tiempo, la muy tangible presencia de una especie de narración omnisciente que da sentido a como se desarrollan las piezas sonoras. Aquí encontramos desde micros que recogen el ambiente de un lugar que resulta alterado al paso del tren hasta ese momento techno donde el traqueteo de la maquinaria se convierte en algo hipnótico pasando por lugares donde la gente transita o trabaja.

Anne Guthrie ya publicó un estupendo disco de grabaciones de campo que salió de mi lista de lo mejor del año pasado casi en el último momento. En este nuevo disco ha incluido grabaciones donde ella canta una canción tradicional o toca Bach en la trompa. Es algo que si se escucha sin referencias resulta bastante desconcertante. En el primer corte, tras un largo rato, se escucha el claxon de un coche en la calle que es el momento donde ella comienza a ejecutar la pieza de Bach. Oh, bien, este es el meollo del asunto, de no saber lo que está sucediendo realmente en cada pieza, de no introducir una especie de proto-narrativa que ilustra el modo de ejecución de cada pieza, la combinación de grabaciones no resulta particularmente interesante o resulta demasiado evidente. De este modo uno necesita saber que lo que se escucha en la primera pieza es una grabación en la habitación de la “compositora” en la que se van preparando el instrumento y la partitura hasta que algo sucede que marca un momento propicio para la ejecución, humana e imperfecta de la pieza. O como esta grabación es reelaborada mediante la reproducción dentro de un objeto de cristal y el cambio de posición del micro respecto a este elemento. O como en la tercera pieza el micro cambia de dirección para registrar los diferentes sonidos que ocurren en el lugar del título. O como una grabación de su voz se superpone sobre la grabación de los sonidos de un puente que aloja el tráfico de una autopista en el cuarto corte. Y como esto se descubre cuando en el último corte se nos presenta la grabación original de la canción.Tras leer todo esto en una crítica mi valoración del disco cambió completamente. De no encontrarle ningún interés a parecerme completamente estremecedor.

Oh, y las grabaciones de campo en según que escenas son las nuevas guitarras eléctricas.

Denpagumi .inc “Ne Kiite? Uchu wo Sukuu no wa, Kitto Osushi. . . Dewanaku, Denpa-Gumi Inc.!”

Que se publica hoy y no he escuchado (y parece nadie ha comprado por que no está entre los primeros cincuenta discos más vendidos hoy en Japón). Tampoco me hace falta escucharlo ya que gran parte de las ocho canciones que contiene las he escuchado a través de las decenas de conciertos suyos que he visto a estas alturas.

Este es otro “disco” que no puedo separar del modo de consumo, la sensación de experiencia compartida. Cuando digo que he visto decenas de conciertos del grupo digo que las he visto más que a cualquier otro artista en directo en mi vida. O que también se consumen posts en blogs, soundcloud, fotos y tonterías lanzadas por tumblr, twitter. O se consumen por ejemplo los materiales derivados (por ejemplo, los videos de baile de alguna de las componentes que cuelga en YouTube y Nico Nico Douga).

También consumible es por ejemplo el modo en el que uno se siente parte del conjunto (por ejemplo, el día en el que anunciaron quién había compuesto su primer single mainstream, o como un día organizaron un concierto para incluir los vítores de la audiencia en una de las versiones del single). Y completamente inseparable, ver a una de las componentes con otra amiga, comer a las tantas de la madrugada mientras responde preguntas de los fans, hacen bromas entre ellas y demás. También puntúa cuando estas se conectan a Ustream para no quedarse dormidas mientras hacen rato para ver sus primeras apariciones como grupo en la televisión y que básicamente consiste en ellas consultado los móviles, diciendo tonterías y jugando a la consola. También que gracias a algún programa uno pueda ver de forma cutre la televisión japonesa y compartir el momento. Todo extrañísimo si se paran a pensarlo o recuerdan como se consumía música hace apenas unos años.

El grupo en la hoja promocional se anuncia como una unidad 2.5D, es decir, gente que se encuentra a medio camino entre las tres y las dos dimensiones. Aunque esto se traduzca en gente para la cual la presencia de la ficción y las formas de entretenimiento representan algo indisoluble de su experiencia cotidiana, también creemos que refleja un continuo abrazo de las tecnologías de distribución y consumo de contenidos como forma de relacionarse con el mundo. Algo que salpica completamente la propuesta estética del grupo, desde el uso de sonido de videojuegos a que la mayoría de sus canciones sirvan de temas musicales para animes, o que en su PV, se puedan observar la completa fijación por la forma en la que se genera la imagen en movimiento en la animación (el uso de distintos planos que representan distintos planos de dibujo, el gusto por la animación limitada y su reiteración de elementos) y el tipo de conocimiento que surge cuando se dispone de tecnologías de reproducción que permiten descomponer el proceso de confección de distintos materiales culturales (la observación de que los otakus cambiaron sus modos de hacer y sobre lo que hablaban cuando apareció la tecnología del video que permitía la exposición repetida y la capacidad de reproducción a distinta velocidad) además del propio arreglo de la canción (el compositor es uno habitual para idols, el letrista alguien que hace videojuegos) por parte de Hyadain (el mismo compositor de Momoiro Clover y EbiChu) donde los estilos musicales se superponen y cambian sin aviso previo como quien se aburre de un disco y pone otro.

John Wall & Alex Rodgers “Works 2006-2011”

Otro disco a camino entre distintas cosas. John Wall es un compositor electrónico que con el paso de los años ha dedicado más y más tiempo a construir de una forma casi dolorosa los fragmentos de sonido que después usaba para ensamblar sus piezas musicales. Hastiado de este proceso, decidió dirigirse al mundo de la música improvisada, donde podía saltarse algunos de los pasos de dicho proceso a la vez que podía divertirse en compañía de otra gente. Este disco es una especie de documento de sus performances con un poeta, salvo que está compuesto, no presenta los materiales que usa en directo sino otros más estructurados y las grabaciones de la voz de Alex Rodgers también se usan como material sonoro y textura. Disco desasosegante e intenso que se hace muy breve para aquella gente a la que los sonidos más agudos no les molesta.

Michael Pisaro “Close Constellations and a Drum on the Ground”/ “Asleep, Street, Pipes, Tones”/
Craig Shepard “On Foot”

Dos (tres) discos que no se parecen en nada, ni que creo se reduzcan a la categoría de los compositores “Wandelweiser”, solo que tenía que hacer sitio para dar cabida en la lista a unos cuantos discos peores. La música de Michael Pisaro ha gozado de distintas grabaciones este año, incluso hay un sello dedicado íntegramente a publicar estas grabaciones. De todas ellas este es el disco que más fascinante me ha resultado, donde sin necesidad de variar mucho su propuesta, la estructuración en el tiempo de los sonidos, la creación de secciones que ofrecen diferentes intensidades y demás, ni sus fuentes de sonido, en este caso grabaciones de sonidos nocturnos en la ciudad y los típicos elementos percusivos resonantes además de algunos elementos melódicos, todo parece novedoso. Una de las piezas parece evocar la sensación de duermevela, donde uno pierde la conciencia rodeado de los sonidos de cañerías, coches que pasan, señales perdidas en la noche, gente que anda y demás. La sensación de cansancio e insomnio donde uno igualmente se queda enfrascado en esta maraña de sensaciones acústicas también puede resultar descriptiva, de cierto modo, a las sensaciones que puede provocar esta música.

El disco de Craig Shepard (a mi me llego, además de muy rápido, con mensaje del compositor escrito en el plástico del envoltorio) recoge una serie de grabaciones sobre las composiciones que escribió, una cada día durante un mes, en un viaje a pie a través de Suiza (400 kilómetros y un itinerario mostrado esquemáticamente en la contraportada). Las composiciones oscilan entre los tres y los veintisiete minutos.

Según rezan las notas interiores:“The performances on this CD were recorde in the work spaces of the performers. Careful listening will reveal the everyday sounds of these spaces, including furnaces, crows, traffic, fish and distant church bells. When played n home stereo equipment, the pieces frame the everyday sounds of the listener’s home”. Todavía tengo que imaginar una descripción más exacta de lo que es este disco (aunque podríamos mencionar lo elusivos que resultan los sonidos “musicales”, pero si ya ha escuchado algún disco de esta gente ya saben como suenan). Como casi todo lo que aparece en esta lista, es un formato híbrido que se puede extender con la compra del libro que documenta todas las composiciones y el viaje del compositor.

Philip Corner/Manuel Zurria “Joy Flashings”

Bizarras e imaginativas interpretaciones de uno de los compositores que alguna vez ha estado relacionado con Fluxus. Grabaciones de señales de la policía china, gente que interpreta a Elvis, la cremallera de la funda de un instrumento, masas de silbatos de juguetes infantiles sonando al unísono o sonidos capturados de un sistema hidráulico de un camión, son algunas de las cosas que se pueden escuchar aparte de la flauta.

Pistol Annies “Hell on Heels”

Sobre por la fascinación que me provocó la sugerencia por parte de un crítico que este disco, junto al de Sunny Sweeney, son los primeros discos que realmente reflexionan, aunque de un modo no necesariamente explícito, a la actual crisis económica desde el punto de vista de la sociedad norteamericana (el country siempre se vanagloria de representar a las comunidades tradicionales, a la gente de la calle). Gente que pierde la casa, tiendas familiares que cierran, sueños de quemar la vivienda para huir del desgaste provocado por las hipotecas y las facturas y poder vivir libre, anuncios de venta de remolques donde el vendedor confiesa que está hasta las narices de vivir en esa mierda, o gente que afronta los problemas tratando de follar, emborrachándose, fumar o tomando antidepresivos (normalmente todo junto). Y todo esto desde un formato de country mainstream completamente accesible, usando estilos variados que pasa en un suspiro.

Oneohtrix Point Never “Replica”

Más discos de canciones sobre canciones y formas de escuchar canciones. En esta ocasión anuncios y jingles promocionales.

Joe Panzner “Clearing, Polluted”

150 copias para el mundo (yo tengo una que venía acompañada de una chapa y un papelito arrancado de cualquier sitio donde se me decía que disfrutara del disco). Es un disco de sonidos electrónicos elaborado y editado durante tres años. Alterna entre lo que alguna gente ha llamado un sonido de enjambre de fragmento superagudos, brutales y casi geológicas frecuencias bajas y algunos ascensos ruidistas. Menuda descripción incapaz de mostrar la experiencia de sentarse durante cerca de una hora escuchando esto a alto volumen.

Bill Orcutt “How the Thing Sings”

Para entender como Orcutt reinterpreta la ejecución musical con la guitarra, se puede consultar por ejemplo este programa de radio donde habla de algunos de sus guitarristas favoritos (http://thewire.co.uk/articles/5949/). Lo de la forma es más o menos sencillo de ver, lo raro de explicar es cómo este disco cada vez me suena más por ejemplo a Rodan. Es decir la reelaboración de otra tradición, la de por ejemplo cierto rock independiente norteamericano, en formas más libres.

Kate Bush “50 Words for Snow”/
Julia Holter “Tragedy”

Por molestar.

Morphosis “What Have We Learned”/
Andy Stott “Passed Me By/ We Stay Together” 2CD /
Ricardo Villalobos & Max Loderbauer “Re ECM”/
VV. AA. “Bangs & Works vol.2”/
EQUALIZED “EQD111”

La habitual sección de discos de electrónica de todo tipo de pelaje que realmente no aguantarían el tipo en una lista sin este tipo de contexto.

2011-11-30T19:24:00.001+01:00

2011-11-29T21:17:00.001+01:00

Hace unas horas Sasha Frere-Jones subió su lista de los mejores discos del año y enlazó una lista de Spotify para la de canciones. Yo hace menos horas, terminé el primer borrador (alcanzando el número de entradas que había decidido arbitrariamente, no demasiado seguro sobre lo interesado que estoy en alguno de ellos) de la mía. Compartimos dos discos. Existiría la posibilidad de que coincidiéramos en otros dos. A mi, en particular, la reiterada repetición por su parte para que la gente dedicara más tiempo a escuchar el disco de remixes de Villalobos, me convenció lo suficiente para volver a dedicarle escuchas y para mi sorpresa, darme cuenta de que ni había intentado escucharlo en profundidad. Aunque eso, parece ser una constante para mi este año.

En cualquier caso, lo interesante de tener un borrador de lista, algo que podrías publicar de manera más o menos defendible, me anima un tanto en un año en el que esto de hacer listas ha resultado ser completamente frustrante. Ahora toca lo divertido, volver a los discos que has apartado conscientemente, poder prescindir de discos sobre los que no estás realmente seguro y tratar de sacar algo que funcione como un conjunto. En fin, la historia de siempre.

UNCUT 2011

2011-11-29T13:12:00.001+01:00

01 PJ Harvey “Let England Shake”
02 Gillian Welch “The Harrow & The Harvest”
03 Metronomy “The English Riviera”
04 White Denim “D”
05 Josh T Pearson “Last Of The Country Gentlemen”
06 The Horrors “Skying"
07 Radiohead “The King Of Limbs”
08 Wild Beasts “Smother”
09 Bon Iver “Bon Iver”
10 The War On Drugs “Slave Ambient”
11 Laura Marling “A Creature I Don’t Know”
12 Fleet Foxes “Helplessness Blues”
13 Tom Waits “Bad As Me”
14 Kurt Vile “Smoke Ring For My Halo”
15 Wilco “The Whole Love”
16 Jonathan Wilson “Gentle Spirit”
17 Feist “Metals”
18 Tinariwen “Tassili”
19 Drive-By Truckers “Go-Go Boots”
20 Ry Cooder “Pull Up Some Dust And Sit Down”
21 James Blake “James Blake”
22 Gang Gang Dance “Eye Contact”
23 Thurston Moore “Demolished Thoughts”
24 Real Estate “Days”
25 Bill Callahan “Apocalypse”
26 The Decemberists “The King Is Dead”
27 Björk “Biophilia”
28 King Creosote & Jon Hopkins “Diamond Mine”
29 Paul Simon “So Beautiful Or So What”
30 Tim Hecker “Ravedeath, 1972”
31 Destroyer “Kaputt”
32 Gil Scott Heron & Jamie XX “We’re New Here”
33 Low “C’Mon”
34 Fatoumata Diawara “Fatou”
35 My Morning Jacket “Circuital”
36 Jonny “Jonny”
37 Little Dragon “Ritual Union”
38 Hiss Golden Messenger “From Country Hai East Cotton”
39 Dawes “Nothing Is Wrong”
40 Kate Bush “50 Words For Snow”
41 Raphael Saadiq “Stone Rollin’”
42 Jenny Hval “Viscera”
43 St Vincent “Strange Mercy”
44 Tune-Yards “Whokill”
45 Mikal Cronin “Mikal Cronin”
46 Iceage “New Brigade”
47 The Caretaker “An Empty Bliss Beyond This World”
48 Cornershop Featuring Bubbley Kaur “Cornershop And The Double-O Groove Of”
49 Arbouretum “The Gathering”
50 Unknown Mortal Orchestra “Unknown Mortal Orchestra”

2011-11-25T09:42:00.000+01:00

Cuatro meses demasiado tarde...

2011-11-24T20:38:00.001+01:00

2011-11-24T14:02:00.001+01:00

Lo peor... los dos libros que esperaba llegarán al menos, después de verano...

2011-11-24T13:44:00.001+01:00

Duke University Press Spring 2012 catalog

2011-11-24T13:10:00.001+01:00

Jugando con el imaginario de la actuación del grupo de rock como la más alta cota alcanzable por la humanidad

2011-11-23T20:48:00.001+01:00

Put your hands up!

2011-11-23T20:33:00.001+01:00

¿Cuándo es el final de noviembre?

2011-11-23T20:20:00.001+01:00

Link

2011-11-22T19:04:00.001+01:00

Muere Paul Motian.

Repentino arranque de patriotismo

2011-11-22T18:46:00.001+01:00

Nacionalismo excluyente. Perdón si esperaban algún comentario sobre lo otro…

2011-11-17T23:51:00.001+01:00

Idolcore

2011-11-15T16:59:00.001+01:00

2011-11-08T13:41:00.001+01:00

Hype x hype

2011-11-08T11:31:00.001+01:00

Hype

2011-11-08T11:27:00.000+01:00

Hype

2011-11-08T11:22:00.000+01:00

2011-11-03T14:55:00.001+01:00

Winning

2011-11-02T17:53:00.000+01:00

Como ya es asunto de hipsters, nosotros ya podemos pasar completamente del asunto. En cualquier caso, es digno de mencionar algunas de las cosas que ustedes se encontrarán en el futuro al ser dominado por esta tendencia musical. Lo primero, en una música donde las formas y las apariencias lo son todo, es el estilo de presentación del discurso. Ante ustedes se desplegarán unos razonamientos cultos, impregnados de contemporaneidad, hábiles y ágiles para captar desde los mínimos detalles que producen emoción hasta los aspectos macroeconómicos, sin engolamiento, llenos de razonamientos bañados en sentido común y respeto por las distintas culturas, a veces salpicados de sentido del humor. Vale, eso es ideología. Es el objeto saliente, el brillante producto que te quieren vender y del cuál sólo se puede hablar en estos términos.

Apuntemos de forma breve como funciona esto. Primero está algo que podríamos llamar la “narrativa mágica” del éxito. Por ejemplo, en ningún lugar se menciona que son once líneas dentro de una reseña del Salón del Manga. La entrada lo presenta como un artículo dedicado al grupo. Después pueden probar a buscar similitudes en los términos usados por la oficina de prensa del grupo y los que han sido usados para redactar esto. Por último, quizá lo más delirante, es tratar de buscar alguna lógica a las declaraciones de la DJ local. Esta es otra de las características de la presentación habitual: este estilo de música no deja indiferente. Siempre hay alguien opinando. Pero volvamos a la lógica de las declaraciones (no presentes en el artículo original): Para venderlo todo en un concierto hay que ser conocido en toda España. Según la hoja de prensa del Salón:

La mañana del 29 de octubre JYJ tendrá un encuentro con la prensa de La Farga. A continuación, en el escenario del Poliesportiu del Centre, los fans de este popular grupo podrán disfrutar con la interpretación de unos temas, que servirán de aperitivo para el concierto que darán esa misma noche en el Poble Espanyol de Barcelona.

¿No era ese uno de los escenarios del Primavera Sound? ¿Cuánta capacidad tiene? Pero mejor, todavía, por su forma de actuar en una rueda de prensa descubrieron la clave de su éxito y su carisma. Lo que deberían captar de esto es como será presentado próximamente: una exitosa serie de conciertos sold-out a través de Europa y el mundo. Pero volvamos a las capacidades de los conciertos. Esto, es por ejemplo, el caso de un concierto de uno de los grupos con más proyección.

Atentos a la cifra: 5.500 asistentes. Es una cifra respetable, según la escala desde la cuál se mire. El caso es que los “impresionantes” éxitos cosechados en los conciertos europeos, donde algunos de los fans fueron recibidos por el presidente y todo, es que por lo que recuerdo, no pasaba de un aforo de 8.000 personas. De nuevo, una cifra importante. Pero tienen que imaginarse que ese concierto es un mini-festival con algunas de las mayores estrellas actuales, que era el primer concierto en Europa de estas características y que congregaron a ese número atrayendo a fans de todos esos países. Hay conciertos de metal que no aparecen ni en las noticias locales con más audiencia que esa. En cualquier caso, este dato fue escamoteado en los entusiastas textos que giraron alrededor de esto: en su lugar, lo que fue ampliamente subrayado fue la velocidad con la cuál todas las entradas fueron vendidas. Esto es otra constante: en ocasiones son minutos, en otras segundos. Si eso no basta, se menciona cuánta gente se quedó fuera (normalmente en las decenas de miles, imposible de comprobar). Nunca se menciona si puede suceder que grandes cantidades de entradas puedan ser compradas por ejemplo, para ser revendidas después. Uno de los asuntos nunca mencionados sobre el éxito del primer concierto en Japón de uno de los grupos anteriormente citados fue que el mismo día las entradas que faltaban por vender se regalaron. En un caso más reciente, en otro grupo que tal vez en otra entrada examinemos con mayor profusión de datos, en una gira que prometía y que desde entonces se promociona como 70.000 asistentes, se comentó bastante acerca de los precios a los cuales la gente pagaba por esas entradas en las audiciones en Internet. En ocasiones ni un quinto del precio en taquilla. Tampoco hay modo de comprobar la asistencia real. Esto es otro elemento de lo que podríamos llamar “cifras inmateriales”: por ejemplo, citar como una determinada canción se colocó en tal puesto de las listas de ventas de Itunes en Norteamérica. ¿Durante cuánto tiempo? Nadie lo sabe. Para estas cosas, en el país de origen, la gente ya se ha aburrido de las listas semanales o las diarias. Ahora la cosa se mide en horas. Número uno fulminante.

Por último está el último elemento que lo cierra todo, el carácter “influyente” e “imparable”. Pueden probar a leer la siguiente hoja de prensa en la web del periódico The Guardian. Empecemos por lo obvio:

Even a novice, he says, should immediately notice the musical divide separating, say, 1!2!3!4! Yoroshiku by the popular Japanese girlband SKE48, and Mr Taxi by Girls' Generation.

"The former is mindless and full-on, with no sense of dynamics," says McClure. "They just never stop singing. The latter, though, is a beautifully constructed pop song."

Lo primero que debemos mencionar, algo que no se puede comprobar ya que, mira que gracia en esta época, este artículo no tiene comentarios, es que durante bastante tiempo, el grupo al que se atribuía la canción japonesa era AKB48. Imagínense el trabajo de investigación. La canción de SKE48 lanzada en noviembre del 2010, vendió como single un total de 167,517 copias. “MR. Taxi” publicada en abril de 2011, vendió, hasta ahora, alrededor de 166,938 copias. Prueba evidente ¿no? No tanto. El siguiente single de SKE48, lanzado en marzo de este año, durante la semana del tristemente conocido terremoto, y que debería ser la referencia temporal más próxima para establecer una comparación vendió 261,051 copias. El siguiente, (en agosto) por ahora: 455,993. Lo cual no quiere decir que SNSD no sean realmente populares en Japón, su disco es de los más vendidos este año (622,044 copias por ahora), aunque no se sabe bien si su éxito será moda del día o permanecerá en esos niveles pero eso ya es opinión. Pero la presentación de los hechos es completamente sesgada. Y eso sin entrar en el meollo del asunto: la apreciación de la “calidad”. La calidad es algo material. Pero, antes de eso, hagan clic en la web del experto que habla: es un sitio de confianza, pueden ver de un vistazo, la lista de canciones más descargadas en móviles (de la primera semana de julio).

For Kaori Kitakata, a devotee since she was introduced to the genre by Korean friends, K-pop is a change from the overtly cute mien cultivated by popular Japanese girlbands such as Morning Musume.

"The Korean girlbands look more professional," she says. "Japanese singers are more like the girl next door in the way they sing and dance, but Korean singers are better trained and more sophisticated."

Korean artists, the 28-year-old adds, appear less diffident than J-pop groups about their Asian identity. "J-pop female bands are cute, but in a very Japanese kawaii [cute] way," she says. "K-pop singers have a more Asian feel to them. That appeals to me. And their fans here appreciate their attempts to learn Japanese."

(¿Ven de nuevo a alguien desconocido opinando?). Más “profesionales”, “entrenados”, “sofisticados”, “internacionales”. A lo mejor soy yo, pero esa mierda da completamente igual para que te guste una canción o no. Sobre todo porque, en teoría, son elementos completamente subjetivos que varían de persona a persona. Pero como en realidad se trata de establecer los términos de la conversación, el campo de juego y las normas en las que nos basaremos para discutir esto, de lo que se trata es de lanzar estos mensajes. Esta supuesta “calidad” tan omnipresente en las noticias y similares usados como su éxito "imparable". Hay un elemento más, en este caso, por tratarse de prensa internacional. Se trata de vender tu producto al público. Para ello, fíjense en el detalle de cómo se ridiculiza la competencia. No es sólo que se metan con un grupo que me gusta, es más sutil: es un juego de sugerencias con imágenes culturales adquiridas. Los grupos coreanos, (¿surcoreanos, no?) hacen una música más "internacional" que se mira en el pop occidental pero tiene un sabor particular (una frase de otra hoja de prensa). Mientras, los japoneses se concentran en lo local, en lo ridículo, en su decadencia. Piensen realmente si han leído algún artículo sobre algún producto cultural popular japonés que no sea presentado por los medios con adjetivos como “extravagante”, “ridículo” o similares. Ahora, fíjense en lo que han de hacer para dejar de ser ridículos: mirarse en Occidente, aspirar a ser como “nosotros”. Para comprobar que todo esto no es una pataleta, que no soy un “hater”, simplemente han de llevar la contraria en una conversación, a ver en qué deviene.

Old-school style

2011-11-02T15:35:00.001+01:00

Supongo que lo más problemático de esa aplicación sería el asunto de la agencia de quién usa dicha canción o disco. Podríamos imaginar una suerte de escritura cuya prosa no se contentara simplemente con el hecho de hablar sobre música rock, sino que pretendiera ser rock, que pensara como tal el mundo. O si acaso imaginar una escritura que evocara los espacios por explorar de cierta música electrónica. O que respondiera al orden formal de una partitura clásica. Es decir, que en cierto modo podríamos imaginarnos que este tipo de “uso” pretende expandir o extender la influencia del trabajo original (si se trata por ejemplo de un estilo musical) o de su autor (en el caso de una canción o un disco).

En el otro lado tendríamos cosas más habituales: un anuncio que usa una canción por algún tipo de resemblanza, o pensar en Rubalcaba extendiendo una letra de una o varias canciones durante intervenciones parlamentarias, o el más corriente y moliente, el pensamiento “crítico” que decide poner a punto o resquebrajar determinadas propuestas artísticas para o por no coincidir en posiciones ideológicas, estéticas o simplemente de gusto (suele ser siempre lo último).

En el fondo, aunque una parezca ser la opción “buena” y la otra la “mala”, subyace lo mismo: la orientación hacia la funcionalidad del objeto, que puede ser usado de maneras variadas, de acuerdo con las ideas que parecen articularse en dicha canción o disco o en función de los intereses de cada uno. Es decir, el trabajo de ser usado y explotado por el oyente. Su optimización. (Aunque claro, eso también es lo que estoyhaciendo aquí…)

2011-11-02T15:00:00.000+01:00

2011-11-02T14:57:00.000+01:00

Fanboying. Fangirling.

2011-10-28T18:09:00.000+02:00

2011-10-28T18:04:00.000+02:00

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Ahyaentiendo…

2011-10-28T02:56:00.001+02:00

De todos modos casi que preferiría votar esa canción para una lista de lo mejor del año (desde luego más resonancia, vean el número de visionados en YT) que casi cualquier cosa que el post-dubstep ha confeccionado este año…

2011-10-28T00:42:00.002+02:00

2011-10-25T05:57:00.000+02:00

Por cierto, todavía no hemos hablado de esto ni de esto otro.

En el primer caso es peor. No hemos hablado siquiera del anterior single. Aún pensamos en escribir la reseña.

2011-10-25T05:39:00.001+02:00

Un montón de lecturas (y cosas por leer y escuchar) del pasado fin de semana. Empecemos por Pitchfork: “The Out Door: Turning the World into Art”. En realidad una serie de tres entrevistas que se hilvanan a través de la introducción, de un modo que depende de cada uno les resultará sorprendente o irritante. Mientras no hay demasiado problema en situar en la misma área que podríamos llamar “grabaciones de campo” a gente como Chris Watson o Ernst Karen, a pesar de sus distintos modos de trabajo e intenciones, situarlos junto a Art Rosenbaum, que durante muchos años se ha dedicado a grabar en cualquier parte a gente que todavía mantiene los cancioneros tradicionales y sus modos de interpretación, puede leerse como tratar de hilar muy fino (en el fondo, los tres trabajan con el micro y tratan de capturar una serie de acontecimientos mediante estos) o ser casi grosero mediante ese planteamiento (Rosenbaum no tiene problema en incluir elementos de ambiente ajenos a la interpretación del artista para incluir parte del mundo, pero considera que demasiado de esto se convierte en un problema, aunque por ejemplo, David Toop comparte con los autores de este artículo la idea de la fascinación que puede resultar del mundo que se filtra en los usualmente asépticos mundos de la canción pop y los estudios de grabación (ni que se hubieran creado expresamente para esa función…) como comentó reciente en su participación en el programa de la revista The Wire en Resonance FM con una de sus selecciones para “Guitar on Mars”, en concreto el tema de Hendrix. En cualquier caso, salvando estas discusiones que están muy bien para rellenar espacio en una entrada de un blog, las tres entrevistas están llenas de cosas en las que detenerse para reflexionar.

Un artículo que nos parece muy importante, sino por su aportación por su capacidad de establecer una narrativa en la cual integrar toda una serie de materiales más o menos dispersos, es “The Political Economy of Unhappiness” de William Davies en el más reciente número de New Left Review. Aunque el tema en un principio pueda parecer de lo más bizarro (digamos la redefinición de lo que es saludable o no para el sistema de seguridad social británico) ahonda en una serie de asuntos en los que de modo más o menos sorpresivo nos hemos visto cada vez dedicando más tiempo por asuntos teóricos. Quizá un día de estos nos pongamos y tratemos de explicar como llegamos aquí, pero por dar una pincelada sobre el asunto, la redefinición es una forma de dinamitar una dualidad clásica saludable/enfermo para establecer una serie de gradaciones en las que el sujeto puede ser productivo todavía en el trabajo según sus condiciones. Las condiciones pueden ser materiales o inmateriales (digamos dolor crónico, enfermedad o por ejemplo, depresión) y el meollo del asunto sería eso, como el Estado, las empresas deciden intervenir sobre esto para que todo esto no lleve al actual estado de las cosas hacia una crisis. Tocando en parte estos temas, aunque centrado en otras cosas y quizá de modo tangencial, pueden probar a leer este artículo de Mark Fisher sobre asuntos parecidos: "The Privatisation of Stress". Aunque quizá a mi lo que me interesa es algo de lo que apunta K-Punk allí, como el tener que actuar de acuerdo con unos determinados modos para por ejemplo poder salir a flote en el mercado laboral (digamos, la necesidad de “venderte” como producto en las entrevistas, o actualizar tus conocimientos o tus áreas de dedicación como forma de revalorizarte en el mercado) implica, aunque sólo se trate de un ejercicio de imitación, de actuación (pero ya hemos hablado aquí alguna vez de las neuronas espejo, la empatía y demás, y en algún otro momento hablaremos de la función de la copia y la imitación en Walter Benjamin) es si quieren una forma de establecer el marco de la conversación o las reglas de juego, donde si quiere se pasa del trabajador que no hace lo suficiente por “ayudarse” a servir como ariete para destruir las condiciones de remuneración y trabajo de determinadas profesiones mediante campañas de desprestigio en los medios (la que montan por dos horas). En fin, la exposición es grosera, pero espero que les anime al menos a tratar de leer esto.

También leímos esta reseña de Fredric Jameson, que está en la zona de Jameson que nos resulta más fascinante, digamos cuando la teoría casi se convierte en psicodelia.

Algo que no hemos leído realmente (sobre todo por todo el andamiaje matemático): un artículo que trata de visualizar (literalmente) la influencia (en el sentido real, a través de adquisiciones, tantos por ciento de posesión de acciones y poder de decisión en las reuniones y demás) de determinadas instituciones y compañías multinacionales en la “libertad de mercado”. Por cierto, lean el estudio original y no el comentario que enlazo.

También, si leen esto en los próximos dos días, pueden tratar de escuchar este documental radiofónico en la BBC: “The Sound of Fear”.

Sound of Fear - John Carpenter talks with Simon Reynolds (Part 1) from Sound and Music on Vimeo.

También pueden probar a ver la entrevista de Simon Reynolds a John Carpenter, con motivo de todo el asunto de lo retro, sus bandas sonoras y su palpable influencia en algunos de los discos de sintetizadores a los que dedicamos tanto tiempo estos días.

Ah, John Carpenter. Seguramente uno de los primeros directores cuyo nombre conocí en mi infancia. John Carpenter, ese fan de AKB48. En realidad no tengo base para explicarlo, pero creo que ambas cosas están relacionadas. En mi adolescencia, por ejemplo las revistas sobre ciencia ficción, fantasía u horror sirvieron para establecer, digamos una sensibilidad, y tener una ciertas ideas sobre la ficción, es decir la narración usada para trascender la realidad material en la que te encuentras inmerso (si quieres a través de la especulación sobre el mundo futuro, el sueño de cómo hubieran podido ser las cosas en otras épocas a través de distintas tecnologías o simplemente, mediante el acceso a lo primario y lo visceral). Pero manteniendo la fidelidad por la forma, el género, el relato, la forma de acceso. Y en eso no hay diferencia alguna con el mundo de ficción y consumo de por ejemplo, AKB48.

Vete a saber...

2011-10-24T18:14:00.000+02:00

2011-10-20T11:24:00.001+02:00

2011-10-18T15:13:00.001+02:00

Muere Friedrich Kittler.

Un tocho para sus estándares…

2011-10-17T15:47:00.000+02:00

2011-10-17T15:38:00.000+02:00

Finalmente, este fin de semana decidimos leer el artículo cuya captura dejamos este pasado viernes como una de las últimas entradas en el blog. Aunque no había ningún ejemplo concreto de este tipo de crítica, en general no estuve demasiado en desacuerdo con la propuesta de una crítica que tuviera en cuenta las tensiones e intensidades de y entre elementos, los efectos en el cuerpo y su variación en el espacio y el tiempo, etc. Aunque admitimos que todavía estamos dándole vueltas a una cosa. El autor propone una teoría que rompa con determinadas dualidades conceptuales:

El problema, si es que existe, se presenta un par de párrafos después cuando se menciona otra dualidad de las que uno no puede parecer librarse: sujeto/objeto.

En realidad no hay contradicción alguna. No se aboga por una separación entre ambos mediante una distancia física o interpretativa, sino por la inmersión, es decir, que aquel que percibe se encuentra relacionado con el mundo y no atiende simplemente, desde su torre de marfil a un desfile de apariencias. Pero, me llamó la atención como esa en particular se escamotea del listado anterior.

Por cierto, el disco de uno de sus estudiantes no me resulta muy apasionante en las primeras escuchas, es interesante por momentos (y quizá sean momentos que puedan crecer y demás) y tal vez te hace preguntarte aquello de donde pones el límite sobre qué estilos musicales aceptas o no escuchar, pero... ¿Les sucede algo parecido?

2011-10-17T13:04:00.003+02:00

Para mi sorpresa escuchando esto últimamente de manera continua. Uno de los problemas que estoy notando recientemente es que escucho este tipo de discos de un cierto modo automático y necesito reparar en elementos concretos para darme cuenta de lo que realmente estoy escuchando. Por ejemplo, no encuentro la combinación de sonidos como algo que se pueda calificar como extraño o inhabitual, ni siquiera si se trata de composiciones escritas en una partitura. Ahora, si me dices que esto puede ser una interpretación de una partitura gráfica o una mera serie de ordenes escritas sobre un papel, y que el mundo sonoro producido es debido en gran parte a la imaginación del flautista que lo interpeta, me siento completamente intrigado. Si además miras Wikipedia y te pones a escuchar la pieza musical favorita del compositor ya ni te digo (aunque no resulte tan evidente en esta pieza).

2011-10-17T11:49:00.000+02:00

Una anécdota personal: ayer mi hermano vino acompañado de un amigo suyo, con el cuál ya me he cruzado en alguna que otra ocasión. En aquella vez, se definió políticamente algo así como independiente o de vuelta de todo, cansado de la manipulación informativa y de esto y aquello. Ayer la conversación giraba sobre un anuncio, que diremos era sobre una convocatoria de charlas de estudiantes universitarios fuera de cualquier asunto docente. El argumento giraba en torno al uso de la palabra “Comprometeos” como parte del lema de dichas charlas y como esto establecía un rasgo de unión con el movimiento 15M. Según se desarrollaba la cosa, al parecer un tipo que escribió un panfletillo y que al parecer originó dicho movimiento, como si en el mundo de la izquierda nunca hubiesen existido ni los panfletillos ni los grupúsculos con ideas diferentes a las de otras corrientes dentro del seno de dicha denominación, y que según este interlocutor dicho libro era “un panfleto”, y que de dicho libro viene la denominación con la que tratan los medios de comunicación a estos “indignados”, después, en el tiempo libre que debe haber tenido entre entrevistas organizadas por sus editores y demás, ha escrito otro libro, esta vez, al parecer, exhortando a la gente a “comprometerse”. Y este muchacho, decía que era interesante leerlos para comprender la psicología de este movimiento social, para después descartar posiblemente cualquier tipo de asistencia a dicha conferencia, ni siquiera por el hecho de confirmar sus sospechas.

Cuanta tontería junta ¿no? Vamos a empezar por lo obvio: del mismo modo que el pueblo no da su “opinión” durante unas elecciones, digo yo que resulta obvio que las razones por las que ocho, doce o catorce millones de personas tienen que ver algo con la situación y condiciones específicas de las vidas de cada votante y sugerir que se conocen estas es de una bravuconería y bobería absoluta, pretender encontrar la “psicología” de un movimiento de procedencia dispersa y propuestas aún más dispersas, que habría que englobar en una escala global, sin pretender leer siquiera los resultados de sus reuniones, mítines y manifiestos, (es decir, por seguir con las metáforas tontas “su voz”) roza lo ridículo.

La única razón por la que se puede hacer este orden de razonamientos es porque tenemos ante nosotros una narrativa que genera causalidad: estos planteamientos teóricos producirán en la práctica estos resultados concretos de variada índole según las condiciones locales. Y es entonces cuando debemos leer las cosas en tono retroactivo: es decir si realmente existe dicha narrativa y se puede establecer tal cadena casual. Suponemos que podemos decir que no, al menos desde la perspectiva de que no se tiene en cuenta las acciones, propuestas y manifestaciones de aquellos que organizaron dichas protestas, que se podría entender, al menos de algún modo las “causaron”. En lugar de esta realidad dispersa, fraccionaria, interrelacionada y contradictoria, es decir un conjunto de gente que pudo interrelacionarse a través de la Red, se nos presenta una tecnología del pasado: un libro.

Un libro tiene una serie de atributos más o menos reconocidos: es un contenedor dentro de un texto de una serie de ideas expuestas de manera más o menos lineal, puede interpretarse como la obra de un autor, usualmente los argumentos y opiniones se presentan dentro de unos ciertos parámetros de presentación y estilo y demás, es decir que puede resultar más sencillo extraer una cita de uno que por ejemplo de un hilo en un foro o una discusión que sucede en los comentarios de una entrada, que tiene más semejanzas con una reunión de vecinos que otra cosa.

En algún blog de algún periodista que forma parte de la gente cuyas acciones se describen bajo el nombre de “15M” se hablaba por una parte de la mala práctica periodística al formar opinión sobre el uso de un término, “indignados”, que usaron los propios medios en su desastrosa cobertura informativa inicial y que los obligó a incorporarse a la marcha y con el pie cambiado. Pero también, había una queja bastante amarga por la aceptación de la que gozó este termino, tal vez no para designarse a si mismo como movimiento pero para enunciar unas propuestas que parecían salir de dicho sentimiento, entre los propios participantes, y por tanto haciéndose acreedores de todo los soniquetes lanzados por los todólogos de turno que establecen el marco de la discusión en la arena pública. Es decir, establecerse como el sujeto de las acusaciones.

Y ya por último habría que hablar de otra de las prácticas del periodismo, que es la de cotejar la información que presentan otros medios de comunicación y mediante un cierto criterio de objetividad o imparcialidad, asemejar, dar cabida o insertarse en el marco de referencia en el cuál la noticia se ha tratado. Y si alguien se saca de la chistera la analogía de que esto es una suerte de moviente alter-global, y hay noticias de que un libro que puede encajar con esto (y según como se presenta cualquier cosa que mejore lo social es de izquierdas), habiendo sido un éxito de ventas en algún país próximo (nunca se menciona si generó algo aparte de cash flow, o si había antecedentes o demás)… Pues resulta de una presentación más sucinta y las reacciones de protesta como máximo se quedarán en alguna carta publicada en algún periódico que así lo estime procedente. En un exceso ya, usar estos mecanismos establecidos para generar este tipo de resultados informativos puede ser de interés para alguien. Y otra de las ventajas del libro es que se puede establecer una cabeza de turco, es decir, que se puede hacer el número de desacreditar los argumentos de un modo sistemático y generar las asociaciones de significados y referencias necesarios para presentar unos hechos ante el público que te sigue. Imaginen lo que sucedería con esta visión del mundo si tuviera que extenderse ante una variopinta presentación de argumentos e ideas, si su respuesta no sería tan desmadejada como aquello que se crítica, que sucedería con la autoridad intelectual de estos representantes de la opinión pública. Quizá lo que habría que mirar en estos casos, más que el modo en como los debates generados ocupa el lugar de lo que está sucediendo, es algo que tiene que ver con el aprendizaje y con la plasticidad del cerebro: los conceptos se interrelacionan mediante la repetición y fortalecimiento de esas asociaciones, el ejemplo de cómo un niño asocia las palabras de su madre cuando esta dice “perro” señalando la figura de un animal, o la correlación fisiológica: los grupos neuronales que responden a dichos conceptos establecen conexiones más fuertes entre ellos. Es decir, que se crea ideología en el sentido de mostrar a cada individuo, en su soledad, que la protesta acaba siendo ignorada, que todo vuelve a lo mismo, a la “calma”.

Por desvariar ya completamente, enlazamos (con buscar el texto entre comillas debería aparecer en Google) el artículo de turno donde el periodista de turno le pregunta al entrevistado (el sociólogo Zygmunt Bauman) “si le parece que estas grandes manifestaciones masivas, pacíficas y tan heterogéneas lograrán combatir los abusos de los mercados, promover una democracia real, reducir las injusticias y, en suma, mejorar la equidad en el capitalismo global”. Fíjense en la sorna del asunto, como se usa el nombre de uno de los organizadores de las protestas para ridiculizarlo, usar la cursiva para volver a establecer el argumento de lo utópico y lo real, la falta de propuestas que puedan ser aprobadas al ser presentadas por un partido político dentro del sistema parlamentario actual, etc. O la franca desmesura de los objetivos que una única reunión ha de generar sin mostrar cuál podría ser el balance entre objetivos y reuniones alcanzados habitualmente por el método “real” (como por ejemplo establecer medidas contra el cambio climático o evitar que la especulación de los mercados lleve a la quiebra técnica a la Unión Europea que entró en esta espiral al absorber la deuda del capital privado). Nunca establecer un posible grado de paralelismo entre acciones y resultados de unas y otras propuestas.

Y entonces se puede proceder a leer lo que el sociólogo dice, con lo que uno, ni creo mucha gente que ha participado en estas protestas estará en desacuerdo o espera que suceda otra cosa si se queda en esto. Pero que se presenta como una reflexión que es ajena a los protestantes y de un modo gracioso, se vacía de contenido las reflexiones del entrevistado al convertirlo en el argumento del contertulio de turno. Curiosamente, leyendo por primera vez a Bauman recientemente, su libro “Consuming Life” me provocó una serie de sensaciones curiosas: es la primera vez que he pensado que algunas de las páginas de un libro son un auténtico tour de force a la vez que pensaba que no podía sentir más indiferencia por dichas reflexiones. El libro resulta infinitamente citable, pero el planteamiento, que desde el principio se nos comenta utilizará el armazón teórico de los tipos ideales, es decir hacer generalizaciones que nos provean de la posibilidad de entender de un modo simplificado los procesos que están sucediendo en la sociedad, hacen que la portentosa interpretación se convierta en una actuación, una performance.

2011-10-17T08:54:00.002+02:00

Solamente...

2011-10-14T19:31:00.000+02:00

2011-10-14T19:21:00.002+02:00

D-topia Entertainment subió hace unos días a su canal de YT una actuación en directo de Saori destiny. Es una canción de su disco del año pasado. Yo la he descubierto con el mini de este año, aunque algunos de sus fans dicen que les gustaban las producciones más complejas de sus discos anteriores, pero yo creo que prefiero el toque mainstream del nuevo simplemente porque, sin salirse de su sonido, todo juega a ser más concreto y realmente si necesito “expansiones expresivas” del estilo musical, ya se donde mirar.

Supongo que la razón por la que he tenido que recordarme a mi mismo que tenía que enlazar esto tiene algo de reacción a lo que colocas dentro del parámetro de los estereotipos. Los dos primeros minutos juegan demasiados con otras sombras, espectros que siempre están presentes en su música, rave cutre al principio, J-Pop con todos sus tics, música de baile con sonidos de instrumentos reales, cuando a mi lo que me interesa supongo es el sonido como reflejo de digamos la fantasmagorías del mundo de consumo, el trayecto a través de los impactos de los mundos de publicidad con su promesa de deseo sublimado, los reflejos, los brillos, los destellos, el trasbordo de un espacio a otro, la aglomeración de colores, olores, formas, la sensación de poder saltar de uno a otro, de poder encontrar tu camino, tu forma de ser a través de ellos, que supongo es como interpreto la voz, dentro del mundo de riffs, repeticiones y espirales de sonido.

No es que crea que eso pueda realizarse, ni creo que el mundo de escaparates, servicios y consumos personalizados logra producir esos efectos, ni siquiera en su presentación, ni creo que estos estén libres de subterfugios o que la posibilidad de un trayecto sea posible, como demostraba Harun Farocki en uno de sus documentales, un gran centro comercial se organiza a través de líneas de tránsito que son optimizadas (la línea de la mirada y el foco de visión) para que los clientes se encuentren con los productos y no se pierdan en lugares donde no sean expuestos a más de estas presentaciones. Pero esa sensación de aceleración, anticipación, vértigo y de salto (y la ilusión de control durante, sobre todo el proceso) sigo experimentándola. De modo que me pregunto que se puede hacer realmente con esto, si es propio o inculcado, si se ha de renunciar a ello o se ha de sacar del ámbito del consumo.... Supongo que ilustrativo de todo esto puede resultar este PV de capsule (desde la (auto)moción a la sensación de ingravidez y seguridad en el abismo pasando por cómo llamamos a todo esto “futuro” o nuestra proyección a través del lenguaje o los medios publicitarios (desde el cartel al videowall pasando por el spam):

2011-10-14T13:12:00.000+02:00

2011-10-14T13:06:00.002+02:00

2011-10-14T12:48:00.001+02:00

Una suerte de PV para el disco de Heatsick en PAN. NSFW y todo eso, pero completamente coherente con algunas de sus preguntas teóricas, usa como ilustración musical un fragmento de “Ice Cream on Concrete” (que sobrepasa los trece minutos). No es que se pueda decir que he escuchado demasiados temas de música electrónica, pero este, desde la primera escucha es uno que me ha fascinado y se ha quedado en mi cabeza. Como la mayoría de la música que interpreta en directo, funciona sobre una serie de loops que va construyendo en el sitio sobre un bastante cascado sintetizador, asignando “bancos de sonidos” a las teclas e interpretando cada uno de ellos, grabarlos y dejarlos sonando de fondo para cambiar de sonidos e interpretar el resto de las partes, hasta llegar a aquellos elementos melódicos sobre los que en algunos momentos improvisa. Tiene facetas más experimentales dentro de este mismo sonido, o más abiertamente ruidosas, pero ya digo, un poco retrotrae a las sensaciones que uno tenía mientras escuchaba las primeras veces no se, temas de Sabres of Paradise o Augustus Pablo, no tanto por tener algún parecido sonoro con aquellos, pero sí la sensación de estar completamente enganchado al desarrollo de una canción que resulta un tanto difícil de prever cómo avanzará, dónde llegará o qué sucederá. Y explicado así, parece una cosa grandiosa, pero ya digo, todo lo que escucharán, salvo un par de samples vocales, sale del proceso explicado arriba, sin modificar los sonidos pregrabados ni nada demasiado espectacular. En la página de Soundcloud del sello discográfico acaban de añadir otro de los temas del disco por si quieren escucharlo.

Heatsick 'Tertiary' (PAN 19) by •PAN•

Otro tema más o menos reciente, sin relación alguna con lo anterior, que me he encontrado volviendo a escuchar o repitiendo en mi memoria durante los últimos días (por el piano sobre todo):

Y ya, si se aburren un montón, prueben con esto que les parecerá una broma pero tiene una paleta de sonidos tan ajustada o más a lo que quiere transmitir que las dos de arriba:

2011-10-14T11:59:00.001+02:00

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So amazing...

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¿Una castaña?

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Goodbye ladies...

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(Todo el mundo sabe que es la cuenta de YT de Chris Marker ¿no?)

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Se que debería estar hablando de SUPER GiRLS. De mi cambio de opinión de aquí a una parte sobre los problemas que me presenta este PV (la forma de replicación social, las chicas que se pueden disfrazar ahora y después serán lo que realmente tengan que ser) y otras cosas, ahora que esta semana parece, se convertirán en el número dos de singles en Japón. Pero hay otro single esta semana, con unos PVs digamos “misteriosos” o “elípticos” que es realmente lo que quiero compartir ahora. La forma de desdoblar el espacio, alterar las relaciones de distancia y tamaño, crear bucles o generar nuevos lugares mientras la cámara sigue o antecede a la chica en su deambular por este territorio cambiante en una única toma. Que en realidad es una metáfora visual que supongo es apropiada para hablar del principio de esta entrada.

Es divertido cómo siempre cuelo de tapadillo mi canción favorita del año

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In it only for Manolo...

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a quiet position - edition one - field fest by a quiet position

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Muere Bert Jansch.

Siempre mejores acompañadas de imágenes

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Priming

2011-09-17T17:12:00.003+02:00

Tras leer la lista de grabaciones favoritas de Chris Watson para Dusted Magazine me decido a escuchar “I Wah Dub” de Blackbeard por su descripción:

Blackbeard (a.k.a. Dennis Bovell) - "I Wah Dub"

I still don’t know how you get such powerful music onto a record. I was fascinated, delighted and overwhelmed by every track. Olympic-standard rhythm and sound. A drummer friend of mine at the time played this record on a big system and said it made him want to give up.

¿Qué es lo primero que asimilo del disco? ¿Guitarras que se pierden en el eco? ¿Melódicas? ¿Pianos y bajos repitiendo el mismo riff entre bucles de sonido, panning y ecos? ¿Ejercicios de malabarismo sobre los “címbalos volantes”? ¿Enternecedoras líneas de bajo interpretadas en el vacío del estudio, arremolinando pinceladas de sonidos a su alrededor?

No. Voces de aborígenes, percusiones que se transforman en pasos sobre tablas de madera, sonidos de animales ralentizados, el sonido que hacen los borbotones en un líquido al soplar en su interior, ronquidos, timbres que suenan, manivelas y cerraduras que se abren, puertas rechinando, el sonido del trueno, agua golpeando el tejado, las ventanas crujiendo al batir…

2011-09-16T23:15:00.001+02:00

2011-09-16T17:25:00.000+02:00

Hay una entrevista con la gente de Blackest Ever Black en Resident Advisor que encuentro fascinante, por motivos encontrados, no siempre positivos. Hay muchas cosas que me resultan curiosas. Por ejemplo, no sabía que Kiran Sande (un periodista musical que he leído en blogs y en FACT hablar sobre música electrónica desde hace años) estaba detrás del sello. En un principio me chocó. No recuerdo la verbosidad y exhibicionismo autobiográfico presentes aquí en sus textos. También hace tiempo que no leo ninguno, pero supongo la sorpresa viene de algún lado. En cualquier caso lo podríamos usar para señalar una tensión entre la interioridad y la presentación que se hace de uno al exterior. O al menos la que se produce entre las comunicaciones del sello a través de su blog y las que hace su responsable delante de un micrófono o una conversación escrita, o la búsqueda del éxtasis a través de la presentación y el diseño del producto y los aspectos más banales y crudos de las limitaciones de lo cotidiano en determinadas épocas de la vida y circunstancias. Creo que tensiones de pares como estas aparecen salpicando otras partes del texto. Por ejemplo está la confesión del momento donde sólo quería escuchar “Earth 2” frente a lo que le parecía la banalidad de la música de baile en la que estaba inmerso. Y que lo haga diciendo que necesita encontrar significado, connotaciones, algo que le hable sobre la vida vivida o posible. En particular me pareció gracioso cuando Morrissey aparecía citado un poco después.

Otra de estas tensiones aparentes sería la que se plantea en un determinado momento y que hace resurgir la ya antigua distinción entre lo artístico y el diseño, desdeñando el segundo frente a la libertad que otorga lo primero frente a la homogeneidad actual.

También curiosa para mi la necesidad de ser afectado, de no querer hacer amigos por lo que se tiene que decir, la necesidad de progreso sonoro y demás y la curiosa relación que parece tener o haber tenido en lo personal con las mujeres según se vislumbra al final de la entrevista o a través de la búsqueda de pornografía y demás.

También hay bastante cháchara acerca de los modos de consumo y escucha de la música pop, como este fragmento de resonancias familiares pero que uno no valora mucho:

“Much of what I got out of these magazines, though, was more a matter of me making inferences and using my imagination: I still remember poring over a page in Select advertising 10+ Gong reissues, staring at the titles and cover images, trying to imagine what Gong might sound like (and getting it horribly wrong). Not to be too hammy about it, but you couldn't just go online and check out what an artist sounded like, so of course the words meant so much more; sometimes everything. Are there any moments more exciting in life than those that exist between you learning of an interesting record and you actually hearing it?”

Pero lo que me intriga es que supongo compartimos unas determinadas estructuras de sentimiento (tiene unos cuatro años menos que yo), el haber crecido leyendo revistas, comprando CDs, usando tiendas o servicios de venta por correo, y el ver como toda esa manera de estructurar el negocio, la cultura o la identidad, cede paso con la llegada de Internet a otras formas, ni mejores ni peores, que ponen en cuestión todo el tiempo dedicado en aquellos años formativos a aquello que se hacía, aquello que uno esperaba obtener. También aquello de que uno no escapa de los debates de su tiempo, y aquí, moviéndose entre la fantología y la retromanía aparece esto, que quizá es lo más interesante del asunto para mí:

“I continue to follow avidly every conceivable mutation—mutation is a more accurate word to use here than advancement—of club music that occurs, but as you grow older it does become increasingly depressing to see each successive flourish dulled, co-opted or subsumed into something larger and more boring. If you want to feel anything in this undistinguished age then you have to hunt, as the Raime ditty goes, under the wreckage of many systems—to search hard for the sounds and words and images and signifiers that still stimulate you, still intrigue you, still give you that strange feeling in your gut and bring you closer to the mesmerised suburban daydreams of your youth, and, if you're lucky, closer to your base human instincts”.

Es un motivo cuyos componentes se repiten a través de la entrevista:

“I had the de rigeur subscription to Select, whose student-y editorial and hilariously hit-and-miss cover CDs and cassettes, like those of NME and Mojo, seemed awfully impressive to me then, and actually introduced me to all sorts. If you were hardy enough to endure, or canny enough to skip through, the inevitable Bentley Rhythm Ace and Cast tracks, then you might discover something genuinely remarkable”.

“At the risk of sounding trite, they reminded me that music—from the underground on up—is all about time travel, and that you can move both ways at the same time”.

“Goth, industrial, the hard-edged experimental fringe of post-punk: it's hard not to be continually amazed at the cavernous drum sounds, strafing synths and insane reverbs to be found on those sorts of records, if only on an occluded B-side instrumental or on one album track from an otherwise terrible album”.

Es decir, usar los discos como una máquina del tiempo, poder volver por ejemplo a aquello que parece inmanente en un determinado estilo, cuando siempre hay la posibilidad de encontrar nuevos caminos y vueltas de tuerca que dar a un sonido creando admiración, adicción, amor, tocar con los dedos de nuevo esas sensaciones, esas posibilidades intuidas de algo más vislumbrándose pero sin foco, en esos discos, esa escena o esas canciones y a través de ellas moverse hacia el futuro, cambiar la forma en que se vive, descubrir algo nuevo por no resuelto en tu vida (como el entender porque esas grabaciones te emocionaban de esa manera, qué parecías intuir sobre ti mismo en ellas, de qué forma la posibilidad de volver a ellos es un camino de, por ponerlo de algún modo, “redención”. (Algo no tan alejado de lo que se puede estar haciendo por ejemplo en Keysound o Not Not Fun))

Esta praxis nos parece un tanto retórica: significado, referentes estéticos, asuntos personales, trascendencia en forma de innovación, experiencia (de consumo) singular en lugar de experiencia vulgarizada por saturación. Por ejemplo, esta es una de mis canciones favoritas de 2010 que he descubierto este año. La intro podría ser casi todo el contenido musical de una canción de Spaceman3, hay guitarras que no desentonarían en lo que uno imagina como una producción tópica de Steve Albini, hay cosas que pueden retrotraer al Britpop o Manchester, también esa combinación entre cutrez y entusiasmo de las primeras producciones de ciertos artistas o grupos pop que pretenden y usualmente no llegan a ser mainstream, que encandilan por su desfachatez o su desprotección.

No se trata del resultado final, sino de la forma compuesta y el significado que puede alcanzar para mí la mixtura y elaboración de algunos de estos elementos que aprecié o aprecio como sucedía en mi adolescencia. Es decir, en mi poder de discriminación como fan, para convertir a través de la referencialidad una canción pop de grupo de provincias en algo más cargado, de, ejem, “significado”. Supongo que cada uno puede encontrar ejemplos parecidos en sus escuchas y gustos.

Pero nos parece interesante poder ahondar un poquito en esta estructura desde el punto de vista afectivo del consumidor. Una de las cosas que me recordó todo esto fue una cita de Kaichiro Morikawa en una conversación sobre otakus:

Before their Armageddon obsession, there was science fiction, which provided otaku with an alternative to the actual future. In the broadest terms, moe has replaced 'future.'

Moe se puede entender vagamente como una sensación de afecto despertada por una imagen (imaginen un personaje femenino muy cute de un anime que les parezca tan tierno, que les haga decir o exclamar: moe). Es decir, un afecto por lo impersonal, por el objeto de consumo, por la ficción. Y desde esta reflexión tratar de establecer puntos de conexión con otros fenómenos conocidos y menos locales.

También me hizo recordar otra cita, esta de Paolo Virno (aunque no se entienda gran cosa fuera de la argumentación original):

El “pasado” a preservar y venerar (una veneración que descansa sólo en el mimetismo y la imitación) no es otro más que el presente: o mejor dicho, el presente contrabandeado, que tramita un anacronismo real, por cualquier cosa ya sucedida. La historiografía anticuaria aplica sus procedimientos típicos a la actualidad: trata como hallazgo sugestivo a todo lo que sucede, mientras está sucediendo; se consume de nostalgia por el instante en curso. Cuando se concentra en el presente, a la inclinación anticuaria le corresponde, por lo tanto, un nombre más específico: Modernariato. En el uso común este término designa los intereses- sentimentales, estéticos, comerciales- por objetos y manufacturas pertenecientes al pasado próximo (tan próximo en algunos casos como para rozar los ojos): la música de los años sesenta, los posters políticos de la década siguiente y luego, poco a poco, el lavarropas apenas obsoleto o el sombrero de moda visto en el verano. En la acepción radical que aquí proponemos, “modernariato” significa el desarrollo sistemático de una sensibilidad anticuaria en las confrontaciones del hic et nunc que, de tanto en tanto, se están viviendo. Por un lado, el Modernariato es un síntoma del desdoblamiento del presente en un ilusorio “ya ha sido”; por otro lado, ello ayuda activamente a realizar siempre de nuevo dicho desdoblamiento.

Nos gustaría poder hablar más de este asunto, que nos parece fascinante a la par que difícil a la hora de tratar de exponer. Por ejemplo, esto ha llevado cerca de una semana y no es particularmente interesante. De modo que en cierto modo nos disculpamos por el modo de tratar el sello y las deformaciones a las que hemos sometido sus declaraciones así como sus postulados, prácticas y preferencias estéticas.

2011-09-16T10:58:00.001+02:00

2011-09-16T10:43:00.002+02:00

Ya ha empezado la campaña de promoción del nuevo single de AKB48 en medios de comunicación. Como en estos casos, el programa televisivo matinal se convierte en un ejercicio de spin que trata de establecer el marco en el que se desarrollará el discurso y la presentación del single durante su carrera comercial. La primera noticia fue ayer en Oricon, hablando sobre las recaudaciones que el grupo ha hecho por motivos benéficos para ayudar en la reconstrucción de las zonas afectadas por el terremoto y desvelaba que la nueva canción (“El viento sopla”) sería una canción para tratar de apoyo y ánimo a aquella zona y gente. Aquí el presentador habla sobre “AKB48’s message song”, mientras se deslizan partes del PV incluyendo imágenes de algunas de las varias actuaciones que han hecho por sorpresa (para evitar que la gente que acudiera fueran fans de otras zonas) por allí. Supongo que también habla sobre como parte de los beneficios obtenidos con este single van para la misma causa benéfica (y eso se añade al single digital que sacaron exclusivamente para eso y la misma acción con sus dos últimos singles, por ahora número uno y dos en la lista de los más vendidos del año). Es una causa loable, un gran gesto, pero salvo la canción todo parece resentirse un poco de un espíritu muy ONG, de externalizar el gasto social, de convertir la acción política y social en campañas de imagen y palabras y frases tan resonantes como vacías que tienden hacia lo blando. Aunque quizá después el single (como texto audiovisual, como todo lo suyo) mejore. Lo que me recuerda que debería tratar de escribir esa entrada sobre música y política. Pero es tan desmoralizante…

2011-09-16T10:22:00.000+02:00

Viejos sonados

2011-09-16T10:18:00.000+02:00

Chicas taiwanesas se deprimen de forma predecible por haberse divertido un poco

2011-09-16T09:36:00.000+02:00

2011-09-16T09:23:00.000+02:00

2011-09-16T09:21:00.000+02:00

Pensando estos días en las listas de fin de año (ya estamos en septiembre, The Wire las confecciona a finales de octubre). En un documento de Word que actualizo de vez en cuando, tengo 26 canciones y 17 discos. En ambas parezco haber decidido ya el número uno, pero supongo como siempre, es lo menos interesante que se puede encontrar en ellas por ser un mero formalismo. Creo que sobran algunas de las referencias apuntadas y que faltan entradas en ambas categorías. Ninguna de las dos parece una lista, aunque supongo que la de canciones cuenta una historia más sincera: esto es básicamente lo que he estado escuchando este año. Quiero decir, no surge de una criba de cientos o miles de canciones, anota lo que más he escuchado o me ha interesado de lo poco que he escuchado. Y el problema no estriba en que sea una lista más o menos cómoda sino que no veo como podría confeccionarla de otro modo.Estoy suscrito a blogs de hip-hop pero nunca trato de estar al día. Tampoco escucho con frecuencia lo que surge de Jamaica. No atiendo a la mayoría de lanzamientos del estilo indie internacional. No presto demasiada atención a la electrónica de baile. El R&B mainstream está tan asustado con el mercado y lo que ha pasado estos últimos años, lanzamientos de discos que se retrasan por la triste acogida en listas de radio o el continuo apaleamiento en la sección de comentarios en esos blogs de cotilleos que dicen ser sobre música R&B (uno de los pocos RSS que quité del Reader fue uno de ellos, podría hacer lo mismo con otro ya que no recuerdo haber mirado los titulares en meses), lanzándose a cualquier otra cosa en su lugar (R&B indie, pop mainstream). Y ese pop electrónico de baile eufórico que llena las listas. No me desagrada, si pongo la radio y la escucho durante algunos días, me familiarizo con las canciones y comienzo a apreciarlas. Pero lo que no entiendo es porque me debería conformar con eso. Hay otras opciones, cosas que me interesan más, que me emocionan más, que no me hacen tener que ajustarme a ellas para tener que disfrutarlas. Y después hay toda una plétora de lanzamientos que pasan entre esas zonas que no parezco encontrar reseñadas por ningún lado. Y después está el hecho de encontrar buenas canciones que sabes no son para ti. Por ejemplo esta canción de country:

Y entonces te preguntas cosas sobre tus criterios de selección y al habitual loop de duda y autocrítica. Y por volver a la lista de la comodidad, no me siento cómodo con mi lista actual. De modo que escuchando cosas, dos más:

Si quieren usar los comentarios para darme una lección sobre donde está el zeitgeist del pop de nuestros tiempos, adelante.

2011-09-16T08:32:00.000+02:00

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Steve Reich-Its Gonna Rain (Parts I+II) (Schwarz Club Remix)

2011-09-16T08:26:00.001+02:00